GET CARTER (1971)

Get Carter es una pelicula de 1971 dirigida por Mike Hodges e interpretada en sus principales papeles por Michael Caine, Ian Hendry, Britt Ekland, John Osborne, Tony Beckley.Narra la historia de Jack Carter, un asesino a sueldo de la mafia inglesa que intenta averiguar por qué han asesinado a su hermano. Sus indagaciones le llevarán a una trama de manejo de material pornográfico y a ser el centro en un fuego cruzado entre varios capos que se disputan la explotación de negocios de juego.

SUSAN CLARK

Susan Clark (8 marzo de 1940), es una actriz canadiense.Nacida en Ontario, Canadá es hija de Eleanor Almond y George Raymond Golding.
Susan protagonizó infinidad de roles, en televisión y cine, podemos destacar su actuación en el film Valdez is Coming 1971 con Burt Lancaster. Night Moves 1975 con Gene Hackman. y en el clásico de cine catástrofe, Airport 1975 con Charlton Heston. En televisión actuó en Bob Hope Presents the Chrysler Theatre 1967. Columbo 1971 en Marcus Welby. y en 1967 en la serie El Virginiano, con James Drury.

THE BLACKOUT (OCULTO EN LA MEMORIA) 1997

The Blackout es una pelicula dirigida por Abel Ferrara en 1997, con el siguiente reparto: Matthew Modine, Béatrice Dalle, Claudia Schiffer, Dennis Hopper, Sarah Lassez, Laura Bailey. Es un thiller erotico-psicologico. Sinopsis:Tras ser abandonado por su mujer, Matty (Matthew Modine), una de las estrellas cinematográficas más grandes del mundo, se refugia en un mundo de orgías, corrupción y alcohol, hundiéndose en un oscuro túnel del que no saldrá en mucho tiempo. Dieciocho meses después, Matty está recuperado y casado con Susan (Claudia Schiffer), hasta que unos extraños sueños en los que aparecen una mujer asesina, empiezan a obsesionarle. Torturado por un pasado que no recuerda, Matty vuelve a Miami para dar luz a los recuerdos ocultos en su memoria.

TAXI DRIVER

Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert De Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un excombatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. La película obtuvo varios premios, entre ellos la Palma de Oro del Festival de Cannes, y cuatro nominaciones al Oscar; en la actualidad se la considera una de las mejores de su década. El reparto cuenta también con la presencia de Cybill Shepherd, como la mujer de quien Bickle está enamorado; Jodie Foster, como una prostituta de 13 años de edad con quien el protagonista forja cierto lazo; y Harvey Keitel, como su proxeneta. El propio Scorsese realiza un pequeño cameo. Travis Bickle (Robert De Niro) es un ex-combatiente de Vietnam, hombre común sin mayor educación y de inteligencia básica, residente en Nueva York, que sufre de depresión, es adicto a la pornografía y sufre de ansiedad al sentirse progresivamente rechazado por la sociedad. Intenta conquistar a una promotora de un candidato a la presidencia; pero esta lo rechaza al percatarse de sus vicios lo que le provoca un ansia de venganza planeando asesinar a su candidato, por lo que compra un montón de armas de fuego lo que lo hace ganarse su propia estima. Adicionalmente sufre de insomnio, lo que le lleva, tras pasar las noches en salas X y demás, a apuntarse como taxista nocturno para aprovechar el tiempo muerto y ganar dinero. Sin embargo, mientras conduce su taxi, es testigo silencioso de todas las maldades existentes en la gran ciudad: la prostitución, la violencia, los prejuicios, las locuras, los barrios bajos... A medida que pasan los días Travis va enfureciendo y llega a la paranoia. Anota todo en un cuaderno, decidido a pasar a la acción algún día, respondiendo a la violencia con violencia. Se autoentrena en el uso de las armas y hace uso de ellas cuando alguién lo increpa o lo ataca. Entretanto conoce a una jovencita (Jodie Foster) e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta; esta joven, llamada Iris, comparte el mismo nombre que la niña de la ópera homónima de Pietro Mascagni donde la protagonista fue engañada e inducida a prostituirse. Malas Calles, de 1973, deja ver a un diamante en bruto tras las cámaras, opacado en gran medida por las deficiencias del guión y, tal vez, por su propia inmadurez. Atrevidos movimientos de cámara, ralentización de planos, uso abundante del zoom (y en casos del zolly), explotación de la música popular estadounidense (mayormente rock e indie) y sutiles distorsiones de la perspectiva, son algunos de los elementos que caracterizan el estilo de Martin Scorsese, quien ha impactado con gran fuerza sobre el cine de las últimas décadas, dejando notables huellas en directores tan reconocidos como Wong Kar-Wai o Quentin Tarantino. Este estilo, aunque no culminaría su desarrollo hasta la obra maestra del director, Toro Salvaje (1980), puede decirse que alcanza su madurez en Taxi Driver, cinta que, aunque resultó un éxito de taquilla y obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes, fue prácticamente ignorada por la Academia de Hollywood (perdió frente aRocky), convirtiéndose en obra de culto para muchos y, con el tiempo, en uno de los títulos más aclamados y representativos de su década. La cinta también supuso la consagración de Robert De Niro y el descubrimiento de Jodie Foster como una de las intérpretes más sólidas de su generación, con sólo catorce años. Confesando haberse inspirado en Pickpocket de Robert Bresson, Paul Schrader, habitual colaborador de Scorsese, elaboró un guión que insiste sobre varias constantes del director: la violencia en la cultura occidental, el machismo, el abuso, y su clásica línea de “hombres que buscan la redención”. El controvertido personaje protagónico, Travis Bickle, genialmente encarnado por Robert De Niro, es en gran medida el narrador de esta historia, desde su voz en off hasta sus pantomimas, sin olvidar su célebre “You talking to me?” (¿Me estás hablando a mí?). Las influencias perceptibles en Taxi Driver resultan muy variadas, desde el más puro Sergio Leone hasta Los Siete Samuráis, de Akira Kurosawa. Sus incontables matices nos permiten catalogarla como una mixtura de géneros. La fotografía expresionista de Michael Chapman, altamente estilizada desde el plano inicial, que muestra el taxi de Travis surgiendo de entre el humo de lasalcantarillas, así como la excelente partitura del gran Bernard Herrmann, quien legó aquí su última obra al cine, nos remiten a las más depresivas atmósferas del cine negro. El hábil uso de los primeros planos, las similitudes de la trama con la obra maestra de John Ford, Centauros del desierto (Más corazón que odio o The Searchers), así como la posible equivalencia del personaje de Travis con un jinete del oeste, hacen de Taxi Driver también una especie de “western urbano”. En Taxi Driver encontramos el origen psicológico de psicópatas como el que atentó contra Ronald Reagan (quien declaró en su juicio haberse inspirado en la cinta). ¿Qué se puede esperar de un hombre que es insertado en una comunidad tan agitada y corrupta luego de la experiencia traumática de la guerra? Scorsese retrata su New York natal como un antro de perdición, como muestra de una sociedad tan disparatada que, en uno de los finales más controvertidos del cine (posiblemente de carácter onírico), hace de un psicópata como Travis, un héroe popular, dando lugar también a interrogantes sobre “quién está más loco”, si nuestro protagonista que salva a una niña corrompida, o los personajes del proxeneta Amoroso o el senador Palantine (quien enuncia que “nosotros somos el pueblo”), ya de por sí corruptos. Taxi Driver constituye una crónica perfecta de los Estados Unidos luego de la aventura de Vietnam, así como una severa críticaa la violencia y corrupción resultantes. En el guión original el personaje del proxeneta interpretado por Harvey Keitel era de raza negra. Dado que ya habían aparecido numerosos personajes antagonistas que también eran negros, se decidió que el proxeneta fuera blanco para no deteriorar la imagen de la población afroamericana.La cresta o "mohawk" de Robert De Niro no es original, se le implantó una especie de "mascara" de plástico en el cráneo dejando salir cabello sólo en la parte de en medio de la cabeza.Robert De Niro trabajó como taxista cuatro semanas antes de la filmación, con el fin de meterse de lleno en su papel.Es la primera película en la que se introdujo un primer plano de un vaso de agua, cuando Travis dialoga con los otros taxistas del turno de noche en la cafetería.En una de las escenas finales, Robert De Niro mantiene una conversación con Jodie Foster sentados en un bar. En un momento dado Jodie Foster se quita las gafas de sol que lleva puestas y las deja encima de la mesa. Cuando al poco rato se las vuelve a poner son unas gafas completamente distintas.Hay dos intervenciones de Scorsese en el film: la primera y la más conocida, es la del cliente cornudo de Travis que amenaza con matar a su mujer con una magnum; la segunda es un breve cameo, en la primera aparición de Betsy le vemos sentado en un banco dirigiendo la mirada a la chica.En la escena del cliente cornudo en el Taxi, aparecen cinco tomas que muestran el contador de tarifa del taxi. Cuando Travis baja la bandera y el contador reinicia su avance, la primera lectura que se ve es de 065, más adelante vuelve a verse 065 (es decir, no avanzó), más adelante hay un close up al contador y se ve 275, en la cuarta toma se puede leer 075 y en la quinta de nuevo 065.En la última escena, donde Travis lleva a Betsy en su taxi, después de dejarla, al ir avanzando Travis voltea súbitamente a ver el espejo retrovisor por alguna razón desconocida.En la canción The Badge, de Pantera, se pueden escuchar algunos fragmentos de la película (escena final del tiroteo) al inicio y al final.El personaje de Travis aparece posteriormente en el videojuego "Grand Theft Auto" en 1997"

STEVEN SEAGAL

Steven F. Seagal nacido en Lansing, Míchigan el 10 de abril de 1952, es un actor de cine de acción, experto en artes marciales y músico estadounidense.
Cinturón negro, séptimo dan en Aikidō, Seagal fue el primer occidental en regentar un dōjō de dicha especialidad en Japón. Además, tiene amplios conocimientos de Kendō, Judo, Karate.Por otra parte, Seagal ha editado dos discos de música blues y trabaja como Sheriff adjunto de reserva en la comunidad de Jefferson Parish, Luisiana.En 1987, Seagal comenzó a trabajar en su primera película, Above the Law (también conocida como Nico), con el director Andrew Davis. El agente de talentos Michael Ovitz, quedó impresionado con Seagal después de haber sido su alumno y lo presentó con Andrew Davis, quien destacó que Seagal contaba con las facultades para convertirse en una estrella de cine. A raíz de su éxito, Seagal hizo tres películas más: Hard to kill, Señalado por la muerte y Out for Justice, que fueron éxitos de taquilla, convirtiéndolo en una estrella del cine de acción. Más tarde, Seagal se reunió de nuevo con el director Andrew Davis y estrenó el éxito rotundo Alerta máxima de 1992. La cinta ganó en total $156.4 millones dólares en todo el mundo.
Seagal dirigió En tierra peligrosa (1994). Esta película, la que también protagonizó, su personaje hizo hincapié en temas ambientales y espirituales, contrario a sus personajes anteriores. La cinta fue co-protagonizada por Michael Caine pero fue un fracaso en la taquilla.
Después de la decepción en la crítica y la taquilla de En tierra peligrosa, Seagal filmó la secuela de su mayor éxito, Alerta máxima, titulado Alerta máxima 2 (1995) y el drama policial Glimmer Man (1996). En 1996, tuvo su primer papel secundario en la película de Kurt Russell, Executive Decision (1996). Posteriormente, hizo otra película con conciencia ambiental, Fire Down Below (1997), en donde interpreta a un agente de la EPA que lucha contra el vertimiento de desechos tóxicos industriales en las colinas de Kentucky. La película fue un fracaso en la taquilla. Fire Down Below puso fin a su contrato original de varias películas con la Warner Bros.Al año siguiente, Seagal protagonizó El Patriota, otro thriller ambientalista que fue su primer lanzamiento directo a video en los Estados Unidos (aunque fue estrenada en salas en casi todo el mundo). Seagal produjo la película con su propio dinero, y fue filmada cerca de su granja en Montana.
Steven Seagal en 2006.Seagal volvió a las pantallas de cine con el lanzamiento de Exit Wounds en 2001. La película tuvo menos escenas de artes marciales que las películas anteriores de Seagal, pero fue un éxito comercial, recaudando casi $80 millones a nivel mundial. Sin embargo, fue incapaz de capitalizar este éxito y sus dos proyectos siguientes fueron fracasos en la crítica y en la taquilla. Protagonizó Ticker, co-protagonizada por Tom Sizemore y Dennis Hopper, fue filmada en San Francisco antes de Exit Wounds, ésta fue directo a DVD. Después estelarizó Half Past Dead, co-protagonizada por la estrella del rap Ja Rule, con la que logró menos de $20 millones en todo el mundo.
Todas las películas que Seagal ha hecho desde el segundo semestre de 2001 se han lanzado directo a video en América del Norte, con sólo estrenos cinematográficos limitados en el resto del mundo. Su próxima aparición en la pantalla grande será en el estreno de la cinta Machete, dirigida por Robert Rodriguez y protagonizada por Danny Trejo, Lindsay Lohan, Jessica Alba y Robert De Niro.

MIS LECTURAS IMPRESCINDIBLES (2 DE 100)

Conan el Bárbaro ha aparecido en los cómics desde 1970 con muy pocas interrupciones en su trayectoria editorial. Los relatos de Howard fueron adaptados más o menos de manera fiel por Marvel de la mano del guionista Roy Thomas y el dibujante Barry Windsor-Smith. Smith fue sustituido posteriormente por John Buscema, mientras Thomas siguió escribiendo muchos años. Logrando crear una sorprendente cohesión de las historias vividas por el Bárbaro. Son innumerables los álbumes que se han producido y los derechos de publicación abarcan a gran cantidad de editores en todo el mundo.

El escritor de La espada salvaje de Conan fue Thomas y la mayor parte de los dibujos fueron realizados por Buscema, Alfredo Alcala o Gil Kane. También fueron adaptadas como tira de prensa dominical desde el 4 de septiembre de 1978 al 12 de abril de 1981. Al principio escrito por Thomas e ilustrado por Buscema, después fue continuada por otros dibujantes y escritores. Marvel abandonó al personaje a finales de 2000.
Otros títulos Marvel sobre Conan fueron Savage Tales (1971 – 1975), Giant-Size Conan (1974–1975), King Conan/Conan the King (1980–1989), Conan the Adventurer (1994 – 1995), Conan (1995 – 1996), y Conan the Savage (1995 – 1996).
Conan ... asaltante, asesino, de grandes tristezas y grandes alegrías, preparado para pisotear con sus pies calzados con sandalias los enjoyados tronos de la Tierra. El libro con la biografía narrada de forma entretenida y amena del bárbaro más conocido del mundo de los cómics, desde su nacimiento hasta su desaparición más allá de las Tierras Conocidas, estableciendo un orden de lectura basado en su cronología vital. Imprescindibre para conocer las historias vividas por el cimmerio.



Sólo el genio de Roy Thomas puede realizar una obra así. Probablemente el mejor conocedor del cimmerio y sus correrías después de su mismo creador, realiza un esfuerzo comprensivo con el fin de sintetizar toda su vida a lo largo de unas páginas, el libro está estructurado en capítulos ordenados de forma cronológica y desarrollados, detallando los considerados como momentos culminantes de esa Época, o los personajes más relevantes en su vida. Obra básica y de obligada lectura, con unas ilustraciones impresionantes que desarrollan los contenidos de manera magistral.


Dark Valley Destiny es, sin duda, la biografía definitiva de Robert E. Howard, padre del género conocido hoy en día como “fantasía heróica”. Para el público general, es una figura misteriosa y enigmática, pero millones de lectores conocen, al menos, el nombre de uno de los extraordinarios personajes que creó: Conan, que se abrió paso en el mundo Hyboreo inventado por Howard hasta conseguir un reino en el que gobernar.Dark Valley Destiny es un fascinante trabajo de investigación e interpretación que aporta datos desconocidos para el lector y que se ha convertido con el tiempo en un titulo imprescindible para todo aquel que quiera conocer más a fondo al autor que se esconde detrás de personajes tan populares hoy en día como Conan el Bárbaro o Kull el Conquistador. El libro sirve para paliar un tanto el tremendo vacío que los aficionados de la obra de Howard en España padecen respecto a su vida, con esta obra escrita por L. Sprague de Camp, Catherine Crook de Camp y Jane Whittington Griffin.

CLARK GABLE

William Clark Gable (Cadiz, Ohio, Estados Unidos, 1 de febrero de 1901 - Los Ángeles, 16 de noviembre de 1960) fue un actor estadounidense. Considerado uno de los mitos del cine clásico de todos los tiempos y un ícono de la ciudad de Hollywood. Nació en Cadiz (Ohio) en 1901. Su madre murió cuando tenía sólo siete meses de edad. A los 16 años dejó el colegio y se fue a trabajar en una fábrica. Después de asistir a una función teatral en la que vio una obra que le impresionó, Gable decidió convertirse en actor. Comenzó a realizar giras con compañías teatrales de segunda fila, y trabajó también como vendedor y en diferentes industrias para ganarse el sustento. En 1924 fue a Hollywood con la ayuda financiera de una agente de teatro, Josephine Dillon, que se convirtió en su manager y también en su esposa, a pesar de que era 10 años mayor que él. Gable pasó varios años actuando en pequeños papeles de películas y apareciendo también de nuevo en obras teatrales. En 1930 pudo firmar finalmente un contrato con la Metro-Goldwyn-Mayer. A partir de entonces intervino en varias películas que hicieron de él una estrella del cine y le valieron el título de «rey de Hollywood». Gable ganó un Óscar al mejor actor principal por Sucedió una noche, película de 1934. A pesar de ello se le conoce más por su papel de Rhett Butler en el clásico del cine Lo que el viento se llevó, film rodado en 1939. En 1935 también había sido nominado al Óscar por su intervención en Mutiny on the Bounty (Rebelión a bordo). Adicionalmente, Gable es uno de los pocos actores que han sido protagonistas en tres filmes distinguidos con un Óscar a la mejor película. Desde sus primeros papeles, demostró tener un «gancho» en la pantalla poco común, que más tarde se convertiría en reconocido carisma para la interpretación de personajes tipo galán con un cierto lado oscuro. Trabajó con algunos de los mejores directores de la época dorada de Hollywood: Ernst Lubitsch, Frank Lloyd, Clarence Brown, Robert Z. Leonard, Sam Wood, George Cukor, King Vidor, John Ford, Raoul Walsh, W. S. Van Dyke, etc., y llegó a compartir película con actrices de la talla de Joan Crawford, Greta Garbo, Claudette Colbert, Hedy Lamarr, Vivien Leigh, Constance Bennett, Jean Harlow, Rosalind Russell, Barbara Stanwyck,Clara Bow, Lillian Gish, Myrna Loy, Loretta Young, Jeannette MacDonald, Lana Turner, Greer Garson, Ava Gardner o Gene Tierney. Su momento de esplendor fueron los años 30, desde los taquillazos de Los seis misteriosos (George Hill) o Un alma libre en 1931 hasta su consagración definitiva como gran estrella en 1939 con Lo que el viento se llevó, y primeros 40, hasta su participación en la Segunda Guerra Mundial. En los 50, su estrella fue manteniéndose gracias a algunos éxitos en el western o la comedia como Mogambo, y el propio actor declaraba que esperaba la oportunidad de poder cerrar su carrera con una gran película. No la encontró hasta que en 1960 protagonizó su último papel en una película mítica por muchas razones: Vidas rebeldes junto a Marilyn Monroe y Montgomery Clift, cuyo rodaje concluyó el 4 de noviembre, la película se estrenó el 1 de febrero de 1961. Compartió cartel en seis ocasiones con la primera rubia de Hollywood que fue un mito, Jean Harlow, hasta la muerte de ésta en el rodaje de Saratoga en 1937, y formó tándem en tres películas con Spencer Tracy hasta que éste último decidió romper con Gable por motivos profesionales. El matrimonio de Gable con su tercera esposa, la actriz Carole Lombard, fue la época más feliz de su vida, según numerosas fuentes. La pareja se casó en 1939, pero la relación terminó de forma trágica, cuando Carole Lombard murió en un accidente de aviación en 1942. Gable quedó profundamente afectado y decidió ingresar en las fuerzas aéreas. Cuando regresó del servicio en la Segunda Guerra Mundial volvió al cine e hizo una película, Adventure, que no tuvo éxito. La Metro no le renovó el contrato considerando su elevado sueldo. En los siguientes diez años Gable intervino en películas que en su mayoría fueron mediocres. Gable se casó dos veces más: primero con una mujer inglesa que había estado casada con el actor Douglas Fairbanks Sr., y después con una ex modelo y actriz de reparto que fue la madre de su único hijo legítimo, nacido después de su muerte. Con todo, estos matrimonios no sirvieron para acallar los rumores sobre ciertos escarceos homosexuales, especialmente en sus primeros años en Hollywood. Se cuenta que George Cukor fue despedido como director de Lo que el viento se llevó por orden de Gable, quien se sentía incómodo porque Cukor sabía ciertos detalles de su vida íntima. Su última película fue The Misfits (Vidas rebeldes), co-protagonizada por Montgomery Clift y Marilyn Monroe, para la cual fue también su última película; dos días después de finalizar el rodaje Gable sufrió una trombosis coronaria y tras una aparente recuperación, la repetición del ataque cardíaco diez días más tarde provocó su fallecimiento el 16 de noviembre de 1960 en Los Ángeles, a la edad de 59 años. Fue enterrado junto a su amada esposa Carole Lombard

RUTGER HAUER

Rutger Oelsen Hauer, más conocido como Rutger Hauer (n. Utrecht; 23 de enero de 1944) es un actor neerlandés de cine y televisión
Rutger Oelsen Hauer es hijo de Teunke y Ared, ambos actores teatrales. Abandonó los estudios en el instituto para intentar dedicarse, como su abuelo, a la marina, pero terminó desechando la idea a causa de su daltonismo (como su bisabuelo) para trabajar durante un período como obrero de la construcción y ejercer de poeta bohemio en sus ratos libres, por los cafés de Ámsterdam.
Ingresó en las Fuerzas Armadas holandesas (en la Marina), pero abandonó la carrera militar al poco tiempo. Rutger Hauer decidió finalmente seguir los pasos de sus padres y recibió clases de interpretación. Tras pasar por el teatro dio comienzo a su carrera cinematográfica a finales de los años 60 después de protagonizar la serie Floris (1969), emisión televisiva que fue dirigida por Paul Verhoeven, con quien Rutger proseguiría sus colaboraciones en la pantalla grande.
Ese mismo año daría el salto a la gran pantalla, en un breve papel, en Monsieur Hawarden dirigida por Harry Kümel.
Gracias a su protagonismo junto a Monique van de Ven en títulos como Delicias turcas (Turks fruit) (1973) o Una novia llamada Katy Tippel (1975), o su actuación en Eric, oficial de la reina (1977), tanto Hauer como Verhoeven fueron haciéndose un nombre entre los cinéfilos de fuera de su país natal.
Su salto a la fama se produjo en los años 80. En 1981 rodó en Hollywood la película Los halcones de la noche donde hacía de villano enfrentándose a Sylvester Stallone. Pero el papel por el que muchos de sus aficionados lo recuerdan será Roy Batty en Blade Runner (1982), la adaptación que hizo Ridley Scott de la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, coprotagonizada por Harrirson Ford y Sean Young.
Después vendrían Clave: Omega de Sam Peckinpah y junto a John Hurt, Lady Halcón (1985) de Richard Donner junto a Matthew Broderick y Michelle Pfeiffer o Los señores del acero (1985), película dirigida por Verhoeven, quien también le propuso protagonizar Robocop, algo que el actor rechazó, y el estupendo thriller Carretera al infierno (1986), donde interpretaba a John Ryder, uno de los psicóticos más memorables de la gran pantalla.
En 1985 Rutger, un reconocido activista medioambiental, contrajo matrimonio con la escultora y pintora Ineke Tencate, con quien todavía permanece casado.
Ganó un Globo de Oro por su trabajo en el telefilm Escapada final (1987), siendo hasta la actualidad su premio más importante de un total de 6 en diferentes categorías y festivales, así como 3 nominaciones.
Después de cruzar el ecuador de la década de los 80 Hauer multiplicó sus apariciones tanto en películas cinematográficas como en telefilmes o series, interviniendo por lo general en títulos de acción y ciencia-ficción de bajo presupuesto como Furia ciega (1989) o Peligrosamente unidos (1991). También intervino en películas de autores prestigiosos: así, La leyenda del santo bebedor (1988) de Ermanno Olmi, por la que ganaría el premio al mejor actor en el Festival Internacional de Seattle.
En 1994 fue nominado al Globo de Oro por Fatherland, película basada en la novela de Robert Harris Patria, aunque al final no ganó.
Durante los sucesivos años seguirá alternando cine y televisión.
En 2005 aparecerá en papeles de secundario en grandes éxitos comerciales como Batman Begins o Sin City.
Actualmente ha publicado un libro junto a Patrick Quinlan titulado All Those Moments: Stories of Heroes, Villains, Replicants and Blade Runners, y se encuentra en Nueva Zelanda participando en una nueva película.
Como curiosidad destacar que Anne Rice creó al famoso Lestat, de Entrevista con el vampiro, inspirándose en Rutger. Pero no pudo interpretarlo en la adaptación cinematográfica porque los productores querian a Tom Cruise para el papel, algo que a ella le horrorizó, porque pensaba que no iba a ser capaz de interpretarlo con la suficiente maldad con la que ella describió al personaje, pero cuando vio la interpretación de Tom, le dio la razón a los productores.

ARMA LETAL

Lethal Weapon es un película estadounidense de 1987 dirigida por Richard Donner. Protagonizada por Mel Gibson, Danny Glover y Gary Busey, Mitchell Ryan, Darlene Love, Traci Wolfe.
Candidata al Oscar 1988 al Mejor sonido.
Se realizaron tres películas más protagonizadas por Mel Gibson y Danny Glover, en los años 1989, 1992 y 1998.
La película toma lugar en Diciembre en Los Ángeles. Roger Murtaugh (Danny Glover), Detective del LAPD, esta preocupado de envejercer, tras recientemente haber celebrado su cincuentavo cumpleaños. Él recibe un mensaje de Michael Hunsaker (Tom Atkins), un viejo amigo con quién sirvió a la patria durante la Guerra de Vietnam, sabiendo que no lo ha visto en 12 años. Antes de encontrarse con él, Murtaugh es llamado para investigar un suicidio, y se horroriza al saber que la víctima es Amanda Hunsaker, hija de Michael. Mientras tanto, el joven detective del L.A.P.D, Martin Riggs (Mel Gibson), quién se ha vuelto suicida tras la muerte de su esposa en un accidente de tránsito, casi mata a un sospechoso desarmado luego de entrar en un estado psicótico de ira durante un decomiso. Cansados de la situación, los superiores de Riggs lo transfieren a la unidad de Murtaugh, lo que hace que estos dos no se lleven bien.
Durante la autopsia de Amanda, drogas mezcladas con limpiador de drenaje son encontradas en su cuerpo. Aunque ella saltó a su muerte, hubiera muerto de todas formas en cuestión de minutos, haciendo su deceso un homicidio. Después de informar a su perturbado padre, quién dice que trató de contactar a Murtaugh para sacar a Amanda de sus hábitos pornográficos y de drogodepencia, Riggs y Murtaugh van a cuestionar a un proxenetista que se sabe que tiene conexiones con Amanda. Encontrando un laboratorio de drogas en las premisas, entran en una breve balacera con el proxenetista (quién es asesinado en el proceso), donde Riggs le salva la vida a Murtaugh, llevando a que estos se tengan respeto. Con el proxenetista muerto y las drogas encontradas, Murtaugh concluye que el caso está cerrado, pero Riggs encuentra sospechoso el hecho de que el único testigo del suicidio de Amanda, fuera una prostituta llamada Dixie, quién trabajaba lejos de su localización usual. Ambos deducen que Dixie fue quién envenó a Amanda e hizo de testigo como cohartada para ocultar sus acciones.
A la mañana siguiente, Riggs y Murtaugh van al domicilio de Dixie a cuestionarla,pero su casa explota justo cuando ellos llegan. Investigando el lugar, Riggs, quién durante la Guerra de Vietnam sirvió a las Fuerzas Especiales de Los E.E.U.U., encuentra un interruptor de mercurio, sabiendo que solo un profesional utilizaría. Un niño del vecindario recuerda al hombre ingresó a la casa de Dixie, agregando que tenía un tatuaje parecido al de Riggs. Viendo la conexión, los detectives concluyen que Michael Hunsaker sabe más de lo que admitió y Murtaugh lo confronta durante la visitación de Amanda.
Hunsaker confiesa que está involucrado en una operación de tráfico de heroina liderada por ex-tropas de las Fuerzas Especiales durante el conflicto en Vietnam, conocidos como la 'Compañía de las Sombras'. Los cabecillas de la operación son un despiadado general retirado, Peter McAllister (Mitchell Ryan), ex-comandante de la Compañia de las Sombras y su jefe, el Sr. Joshua (Gary Busey). Hunsaker blanqueba las ganancias a través de su banco. McAllister ordenó el asesinato a Amanda cuando Michael intentó fallidamente alertar a Murtaugh de la trama. Cuando Murtaugh intenta hacer que Hunsaker revele la totalidad de la operación, Joshua hace un ataque sorpresa en un helicoptero y dispara a Hunsaker, dándole muerte.
Cuando Riggs y Murtaugh intentan investigar la conexión de Dixie, los crecientemente violentos miembros de la Compañía de las Sombras tratan de matar a Riggs. (Lo cual ellos creen un exito, pero Riggs llevaba un chaleco a prueba de balas) y luego secuestran a la hija de Murtaugh, Rianne. Utilizando la supuesta muerte de Riggs a su favor, Murtaugh acepta ir al desierto a reunirse con la Compañia de las Sombras para intercambiarse con Rianne, sabiendo que la Compañia los matará a ambos. Mientras Riggs cubre como francontirador desde una cierta distancia, Roger intenta hacer que Rianne huya, pero al final los tres son capturados. McAllister tortura a Murtaugh golpéandolo y echando sal en sus heridas para sacar información; McAllister demanda cual de los encargos quedó comprometido, amenazando a Rianne cuando Murtaugh no está cooperando, negandose a creer que Hunsaker no les dijo nada. Riggs, brutalmente torturado con choques eléctricos, se libera y rescata a Murtaugh y Rianne. La pareja escapa de su prisión, encontrandose en un club nocturno en los barrios bajos de Los Ángeles. Riggs persigue a Joshua e intenta atraparlo en la autopista, pero Joshua logra escapar. Murtaugh encuentra a McAllister huyendo en su vehículo, acabando con el conductor del vehículo, Murtaugh observa como el auto impacta en Hollywood Boulevard y explota por una granada (junto con el cargamento de heroina). Los detectives van a la casa de Murtaugh, sabiendo que Joshua se dirige allí para atacar a la familia de Murtaugh, la cual esta ausente. Mientras Joshua es arrestado sin incidente alguno, Riggs, buscando venganza, lo desafía a una pelea, la cual Joshua acepta. Sancionado por Murtaugh, Riggs combate a Joshua en una pelea cuerpo a cuerpo en el cesped al frente de la casa de Murtaugh, luego de una brutal pelea, Riggs derrota a Joshua con una llave de rendición. Lo suelta y le dice "No vales la pena". Al ser arrestado, Joshua agarra una pistola de un oficial de policía e intenta disparar a Riggs, pero los detectives reaccionan y matan a Joshua a balazos.
Murtaugh y Riggs ahora son amigos, y Riggs pasa la Navidad en la residencia Murtaugh con la familia de Roger; Riggs trae su perro Sam para que sea amigo del gato de familia Murtaugh, Burbank (lo cual termina siendo un desastre). Riggs también le da un regalo simbólico: La bala con la que Martin tenía pensado suicidarse, ya que no la necesita más.
El film fue precursor de un nuevo cine de acción en los ochenta, junto a otros titulos como Jungla de cristal o alerta maxima, y consolido definitivametne la carrera de Mel Gibson en Hollywood.

BATMAN (1989)

Batman es una película estadounidense de 1989 basada en el personaje de cómics del mismo nombre. Está dirigida por Tim Burton. Es la primera película de la serie fílmica de Batman distribuidas por la Warner Bros. Está protagonizada por Michael Keaton, en el papel de Batman y su álter ego Bruce Wayne. Keaton está acompañado del ganador del Óscar Jack Nicholson como El Joker y de Kim Basinger como la periodista Vicki Vale.

El film se venía preparando desde 1979, tras el éxito de la película Superman, de Richard Donner. La historia se basaría mayormente en los seis comics creados el año anterior por la dupla compuesta por el guionista Steve Englehart y el dibujante Marshall Rogers (Posteriormente reeditadas bajo el nombre de "Batman: Strange Apparitions"). En tales historias destacaba el episodio llamado "El Pez Sonriente" en donde Silver St. Cloud (novia de Bruce Wayne) finalmente descubre que en realidad su novio es Batman, y al mismo tiempo el Joker se autoproclama como el némesis definitivo del héroe.

Años después, con la contratación de Burton como director, Sam Hamm escribió el guión, basándose en el primer borrador del filme escrito por Steve Englehart y Julie Hickson. A la película no se le dio luz verde hasta el éxito de Burton con Beetlejuice (1988). Para el papel protagonista fueron considerados varios artistas de la lista A de Hollywood, mientras que Nicholson aceptó el papel del Joker con las estrictas condiciones de que recibiera un salario elevado, más un importante porcentaje de lo recaudado en la taquilla, beneficios y venta de artículos relacionados al legendario personaje.

Fue acogida con gran entusiasmo y resultó un éxito de taquilla. Burton les dio al héroe y a Gotham City un tratamiento totalmente distinto al que se le había aplicado en la anterior película y popular serie televisiva de los años 1960, creando una atmósfera sombría y gótica.

En esta entrega se narra el comienzo de Batman en su carrera contra el crimen en la corrupta Gotham City, pero claramente se profundiza en la figura del criminal conocido como Joker: Su origen y posterior enfrentamiento con el hombre-murciélago.

Como puntos a destacar en la película, se encuentran la búsqueda de Burton de mostrar el lado oscuro y humano de Batman (el actor Michael Keaton fue un acierto, ya que otorgaba al héroe una imagen inquietante e interesante), la aplaudida actuación de Jack Nicholson y el extremo cuidado en la aparatosamente oscura escenografía y ambientación (una de las principales características del cine de este director).
Entre los aspectos que desataron mayor polémica en los fans del personaje estuvieron: que introduce un nuevo origen al Joker como Jack Napier, quien aparece como el asesino de los padres de Bruce Wayne y, por consiguiente, responsable de la posterior creación de Batman. Además, el papel del detective James Gordon en la historia era prácticamente nulo, por último, Batman utiliza armas de fuego y es capaz de matar (contrario a la principal característica del personaje, aunque no hay que olvidar, que en los primeros números de los comics, en los años 30, este mataba sin remordimiento, años despues se ha ido edulcorando y adaptándolo a las nuevas circunstacias sociales).
Destacó además la intensa banda sonora a cargo de Danny Elfman, quien constantemente colabora en filmes de Tim Burton.
Jack Nicholson fue elegido para el papel del Joker cuando en una foto de Nicholson del póster de El resplandor, Bob Kane le pintó el pelo de verde, la cara de blanco y los labios de rojo.
Billy Dee Williams interpreta a Harvey Dent antes de sufrir el accidente que lo convierte en Dos Caras. Williams firmó un contrato para repetir su papel en la futura secuela, pero Warner debió pagarle para que entregara el papel a Tommy Lee Jones.
Esta película, aparte de que obtuvo muy buenas críticas, tuvo drásticos cambios respecto a la versión del personaje del Joker:
El Joker no fue quien asesinó a los padres de Bruce Wayne, sino que fue Joe Chill. Aunque se puede notar (sin haberse confirmado) que Joe Chill aparece como el compañero de Joker en el momento en que éste asesina a sus padres.
Jack Napier no es el verdadero nombre de Joker (al menos, no se dice eso en los cómics). Ni tampoco es un profesional mafioso, sino un comediante que acepta una proposición de unos bandidos para robar en una industria química. El nombre de Jack Napier hace referencia al mismo Jack Nicholson y a Alan Napier, actor que interpretó a Alfred en la serie de los años 60.
Joker, en ningún momento en los cómics muere, ya que es la eterna némesis de Batman. Sin embargo, en la película muere al final.
Cabe destacar que aunque el Joker, en esta película, tiene un origen definido, en el comic él mismo declara que no recuerda bien su pasado, y que nunca lo recuerda de la misma forma.

GENE WILDER

Jerome Silberman ( 11 de junio de 1933), conocido como Gene Wilder, es un actor, director y guionista estadounidense conocido por haber aparecido en algunas de las más notables obras de Mel Brooks, especialmente en" Sillas de montar calientes", "Los productores" y "El jovencito Frankenstein"
Nacido en Milwaukee e hijo de una familia de inmigrantes judíos rusos, Wilder estudió interpretación en la Universidad de Iowa, donde fue miembro de la Fraternidad Alpha Epsilon Pi Ro Tau Omicron, se graduó en 1955 y después sirvió en la Armada de los Estados Unidos desde 1956 al 1958. Allí serviría como médico en el Departamento de Psiquiatría y Neurología del Valley Forge Army Hospital en Phoenixville, Pennsylvania.
De vuelta en los Estados Unidos, Wilder se puso a trabajar en el teatro además de ser conductor de limusinas y de ser maestro de esgrima. Su carrera como actor se fomentaría en algunas producciones del off-Broadway como "The Complaisant Lover" y "Roots" (1961), por lo que recibiría los galardones Clarence Derwent. En 1964, tendría la oportunidad de ser elegido para interpretar Mother Courage and Her Children junto a Anne Bancroft. La actriz le gustó Wilder y habló de él al gran comediante Mel Brooks.
El debut en la gran pantalla de Wilder sería con Bonnie y Clyde de Stanley Kramer. Pero donde Wilder se haría un nombre sería con la encarnación de Willy Wonka en Un mundo de fantasía y también los del doctor Friederich Frankenstein en El jovencito Frankenstein y Leo Bloom en Los productores. Por estas dos películas, le llegarían sus dos únicas nominaciones a los Oscar. Por El jovencito Frankenstein, obtendría la nominación al mejor guión adaptado y por Los productores, la del mejor actor de reparto.
En la década final de los 70 y en los 80, aparecería en cuatro películas junto a Richard Pryor, en la que sería una de las parejas cómicas interraciales más famosas de la historia del cine. Actuaron juntos en cuatro películas: El expreso de Chicago (1976), Locos de remate (1981), No me chilles que no te veo (1989) y No me mientas que te creo (1991). Contrariamente a lo que se piensa, las relaciones entre Wilder y Pryor eran más bien tensas. En realidad, en su autobiografía Wilder comenta que la adicción a las drogas de Pryor le hacían un personaje difícil y desagradable. De todas maneras, Wilder reconoce que la química que creó con Pryor no la experimentó con ningún otro con el que haya trabajado.
En 1982 Wilder protagonizaría Hanky Panky donde conocería a Gilda Radner con la que se casaría en 1984. Una relación que se mantendría hasta el fallecimiento de la actriz en 1989. Su muerte afectaría a Wilder que fundaría la asociación Gilda's Club en su memoria y junto a Karen Boyer se convertiría en uno de los mayores activistas de la concienciación del cáncer de ovarios. En 1998 Wilder realizaría el libro Gilda's Disease por el que explicaría sus experiencias junto a su tercera esposa. Un año después, Wilder se retiraba del mundo del cine para dedicarse a las actividades humanitarias.
En 2005, Wilder publicaba sus memorias bajo el nombre Kiss Me Like A Stranger y en 2007 hacía lo mismo con su primera novela, centrada en la Primera Guerra Mundial, bajo el título My French Whore.

MIS LECTURAS IMPRESCINDIBLES

Promethea es una serie de cómic creado por Alan Moore, JH Williams III y Mick Gray, publicado por America's Best Comics / Wildstorm. Alan Moore (Northampton, 18 de noviembre de 1953) es un escritor británico conocido por su trabajo como creador y guionista de historietas para adultos. Sus obras más conocidas, de las cuales ha sido guionista y co-autor, son Watchmen, V de Vendetta y From Hell. Pese a que la mayor parte de los dibujos corren a cargo de J.H. Williams III, en Promethea también se han dejado ver artistas como Charles Vess.

Hellblazer es una serie de comic-book para adultos que comienza a publicarse en 1988 en Estados Unidos, a manos de la editorial DC Comics.
Hellblazer es una serie de estética oscura y opresiva. Su personaje principal es retratado como un hombre que sobrevive, en un mundo moderno donde los conflictos entre la realidad, lo mágico y lo sobrenatural lo mantienen en tensión



Watchmen («Vigilantes» en castellano) es un comicbook de superhéroes escrito por Alan Moore y dibujado por Dave Gibbons, ambos de nacionalidad británica, publicado por la compañía estadounidense DC Comics durante los años 1986 y 1987 como una serie limitada de 12 números. La obra ha sido reeditada varias veces, normalmente en el formato de novela gráfica y traducida a distintos idiomas, entre ellos el español, además de obtener prestigiosos premios, como el Premio Hugo.


Predicador es una serie de novelas gráficas creadas por el guionista Garth Ennis y el dibujante Steve Dillon, publicada en la línea Vertigo de DC, con dibujo de cubiertas por parte de Glenn Fabry

La serie está compuesta por 75 números en total, con 66 números regulares, una serie limitada especial de 4 números sobre el Santo de los Asesinos y 5 números especiales dedicados a Cassidy, Caraculo, Starr, Jody y TC y Tulip y Jesse en su juventud.

The Sandman es una serie de historietas, escrita por Neil Gaiman, e ilustrada por un amplia gama de dibujantes de diferentes estilos, limitados a arcos argumentales o episodios sueltos. Además del co-creador Sam Kieth, otros ilustradores que participaron son Colleen Doran, Mike Dringenberg, Marc Hempel, Kelley Jones, Jill Thompson y Michael Zulli.
Es ampliamente considerada como una de las más originales, sofisticada y artísticamente ambiciosa serie de novelas gráficas.

En los años ochenta, Howard Chaykin, autor de American Flagg!, revolucionó el concepto de cómic para adultos con Black Kiss, un éxito sin precedentes en todo el mundo. Mucho más que una historia de género negro. Chaykin se demostró como algo que ya sabíamos los que habíamos leído otras obras suyas: un inconformista que no atiende a normas para hacer lo que quiere, pasó completamente de la censura para hacer este cómic,logrando una historia absorbente y llena de giros sorprendentes


Planetary es una serie limitada de comics escrita en su totalidad por el guionista británico Warren Ellis e ilustrada de igual manera por John Cassaday. Publicada por la editorial Wildstorm narra las aventuras de un trío de misteriosos personajes que se denominan a sí mismos "arqueólogos de lo imposible" y que trabajan bajo la consigna "Es un mundo extraño; mantengámoslo así".La serie está plagada de referencias a otras historias, si bien se cambian nombres y situaciones tanto para crear un universo propio como para dejar de pagar derechos de autor.

Shade: el hombre cambiante, con guión de Peter Milligan y dibujos de Chris Bachalo. En Shade se plantean unos EEUU desquiciados, donde el protagonista comienza un viaje iniciático para descubrirse a si mismo y lograr entender el mundo que le rodea, estará acompañado de amigos y conocidos que lo transportarán a lugares extraños,tanto físicos como
mentales.



Miracleman, conocido originariamente como Marvelman en el Reino Unido, es un superhéroe de cómics creado en 1954 por el guionista y dibujante Mick Anglo para la editorial L. Miller & Son. Inicialmente, pretendía ser un sustituto inglés del personaje estadounidense Capitán Marvel. La serie se extendió hasta el año 1963. El personaje fue revivido en 1982 en una oscura y serie deconstrucionista posmoderna del escritor Alan Moore, con aportaciones posteriores de Neil Gaiman.

CAROLINE MUNRO

Caroline Munro nacio un 16 de Enero de 1950 en Windsor, Berkshire (Inglaterra). Hija de Janet Munro, salto a la fama cuando a los 16 años gano el premio a la cara mas bonita del año. Trabajo para la revista Vogue como modelo profesional. También fue chica de anuncios publicitarios, siendo su mas famoso el de "Lamb's Navy Rum", convirtiéndose en la reina del calendario, antes de su entrada en el cine.
Tras varias intervenciones en películas como Smoke over london, hizo su aparición en " El abominable doctor Phibes" (The abominables Dr. Phibes) 1971, al lado del gran Vincent Price, donde interpretaba a la mujer del Doctor, Victoria Phibes. Al morir, su cuerpo es disecado por su marido, hasta que este encuentre una forma de resucitarla. Ya en esta intervención mostraba sus cualidades: ojos rasgados, un cuerpo de escándalo, una melena larga envidia de muchas señoras... En su secuela, "El Retorno del doctor Phibes" (Dr. Phibes rises again) 1972, actuó interpretando el mismo papel.
Mas tarde la Hammer llamo a su puerta, interviniendo en "Dracula 73" (Dracula A. D. 1972) 1972, al lado de Christopher Lee, interpretando a Laura, una hippie, que es mordida por el Conde. Su actuación es meritoria, pues es lo mejor de la película, que no tuvo mucho éxito. Su otra intepretación para la Hammer fue en "Capitan Kronos, cazador de Vampiros" (Kronos) 1973. Su sensualidad natural, y sus dotes interpretativas le acarrearon multitud de fans. Siguió trabajando en películas de corte fantástico como "El viaje fantástico de Simbad" (The Golden voyage of Sinbad) 1974.
Se puso bajo las ordenes de Lewis Gilbert en "La espía que me amo" (The Spy Who Loved Me) 1977, película de James Bond, protagonizada por Roger Moore, y en la que interpretaba a Naomi, junto a otra belleza natural, Barbara Bach, por otra parte, mujer del ex-beatle Ringo Starr. Otras intervenciones suyas fueron en "Maniac" (1980), "Starcrash" (1979)...
Intervino también en películas españolas de bajo presupuesto, como en "El aullido del Diablo" (Howl of the Devil) 1987, dirigida por Jacinto Molina, alias Paul Naschy. La película tuvo una pésima acogida. Solo se salvaba por supuesto la bella Caroline. También intervino en "Los depredadores de la noche" (Faceless) 1988, del inagotable Jesús Franco.
Caroline se retiro del cine para dedicarse a cuidar a sus hijas. Últimamente, parece que le ha vuelto a entrar el gusanillo de la interpretación, haciendo planes para trabajar en películas y en su otra labor quizás menos conocida: la de la música.

ILUSTRACIONES DE BARRY WINDSOR SMITH

Barry Windsor-Smith nació en Forest Gate, Londres, en Reino Unido, el 25 de mayo de 1949.Conocido inicialmente como Barry Smith, su vertiginoso éxito se debió a su trabajo como dibujante principal de la serie "Conan el Bárbaro", una adaptación del personaje literario de Robert E. Howard. Inicialmente su dibujo bebía del estilo de Jack Kirby, pero en tan solo dos años evolucionó hasta alcanzar una forma única y original, que captaba el sentido de los prerrafaelistas como Edward Burne-Jones o Dante Gabriel Rossetti. Historias como "Clavos rojos", "La torre del elefante" o "La Hija del gigante de hielo" lo encumbrarían por su preciocismo,originalidad y detalle.Esta lámina es de esa etapa prerrafaelista donde alcanza la grandeza como ilustrador.

MEDIODÍA SILENCIOSO

Tus manos descansan abiertas sobre la hierba fresca,
Tus dedos brotan de la tierra como flores rosadas:
Tus ojos sonríen en paz. El pasto resplandece absorto
En las olas nebulosas del cielo, que se reúnen en calma.
Todo rodea nuestro nido, hasta donde el ojo puede contemplar,
Dorados campos reales con bordes de plata,
Allí donde los animales corroen las faldas del espino.
Este visible silencio, inmóvil sobre el reloj de arena.

Profundo en el sol ansiado crece la libélula,
Colgando como un hilo azul lanzado del cielo:
De manera que esta hora alada gotea sobre nosotros.
Oh, cerremos los corazones sobre este regalo inmortal,
Atrapemos esta inarticulada hora en compañía,
Dónde el silencio de dos se transforma en una canción de amor.

Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)

TARA LYNN

Complejo es una palabra que no está en el vocabulario de Tara Lynn. A sus 27 años, no le afecta comprar ropa talla XL en almacenes donde todas son delgadas.Por eso para quienes la conocen no fue sorpresa verla en la portada de marzo de Elle, una de las revistas de moda más importantes en el mundo, que la escogió como imagen de su campaña a favor de las modelos de tallas grandes.Sin embargo, el objetivo de Elle no es acostumbrarse a la gordura en un país que gusta especialmente de mantenerse en forma y está preocupado por unas recientes estadísticas que dictaminan que un 42% de las mujeres francesas sufren de sobrepeso.
"Como periodistas de moda, nuestra inspiración fue preguntarnos si podemos utilizar modelos de talla grande y hablar de moda, sin más. No queremos desviar la atención al hecho de estar utilizando chicas grandes", explica Valérie Toranian, la redactora jefa de la revista a The Times. "Por eso utilizamos mujeres realmente redondas, y no las que están rellenitas. Es más interesante mostrar que las chicas grandes también pueden verse increíblemente sexy".Ser modelo de tallas grandes está de moda gracias a revistas como Glamour y Elle, que han empezado campañas para replantear los cánones de belleza que marcan la pauta en las pasarelas. Tanto así que es ahora, con sus 84 kilogramos, cuando el nombre de Tara está teniendo eco en el mundo del modelaje. Las veinte páginas de fotos suyas en la edición francesa de Elle, donde muestra sus irresistibles curvas en diseños atrevidos y reveladores, le abrieron las puertas de la revista V y de la agencia Heffner en Seattle.Pero, al parecer, no es tan fácil. La misma Tara Lynn ha vivido las consecuencias de los kilos de más en una sociedad perfeccionista. "Perdí 30 kilos en dos años, pero no era sano; estaba hambrienta y siempre me dolía algo. Así que dejé a mi cuerpo en paz, volví a engordar y volví a sentirme feliz", recuerda en Elle. "Fue cuando intenté trabajar como modelo en Nueva York. Hoy no sólo me siento bien por mi profesión, sino porque tengo el control sobre mi salud y he aceptado el hecho de que mi silueta nunca coincidirá con la imagen de belleza con la que constantemente nos bombardean".

STAR WARS (y II)

George Lucas, creador de Star Wars.Cabe señalar que el segundo borrador contenía el adelanto de una continuación inédita: La Princesa de Ondos. Para cuando concluyó la redacción del tercer escrito, meses después Lucas negoció un contrato para obtener los derechos correspondientes para la realización de dos secuelas más. Más o menos en ese mismo período, se encontró con el escritor Alan Dean Foster, a quien contrató para adaptar dichas secuelas a manera de novelas. La intención de todo ello era que si Star Wars resultaba exitosa, el director podría adaptar esas novelas en guiones. Asimismo, poco después desarrolló un esquema general de toda la historia de la saga para apoyarse durante el proceso de redacción de cada secuela.
Una vez que Star Wars alcanzó el éxito tanto en recaudaciones como en críticas, Lucas decidió usar el filme como base para un serial más elaborado, sin embargo, en algún momentó optó por rechazar dicho proyecto. A pesar de lo anterior, ciertamente su idea era instituir un centro independiente de filmación —hoy en día, el Rancho Skywalker—. Para ello, vio en la serie una manera viable de financiación.Por otra parte, Foster ya había empezado a escribir la primera novela a manera de continuación de Star Wars, así que Lucas optó por adaptar la obra de Foster en ese mismo instante; el libro fue publicado al año siguiente bajo el título Splinter of the Mind's Eye. Al principio, el cineasta no veía una serie con un determinado número de filmes, sino que la concebía simplemente como una franquicia tipo James Bond. En una entrevista concedida a Rolling Stone en agosto de 1977, mencionó que su intención era que cada uno de sus
amigos dirigiera una película a la vez, con tal de ofrecer su propio estilo a la serie. Asimismo, dijo que las escenas donde Darth Vader se convierte al lado oscuro, mata al padre de Luke y pelea con Ben Kenobi en un volcán mientras la República cae bajo el dominio imperial, eran buenas ideas para realizar la secuela.
Ese mismo año, Lucas contrató a la escritora de ciencia-ficción Leigh Brackett para que se encargara de redactar Star Wars II con él. A finales de noviembre de 1977, ambos ofrecieron conferencias de prensa para mostrar los avances en la historia, habiendo para entonces producido Lucas un boceto escrito a mano y denominado The Empire Strikes Back. En realidad, este era muy parecido a la última película de la trilogía original (Return of the Jedi), excepto que, en éste, Darth Vader jamás revela que es el padre de Luke. En el primer escrito creado por Brackett, el padre de Luke aparece como un espíritu que orienta a su hijo.
Brackett terminó su primer borrador a principios de 1978; Lucas dijo luego que se sentía decepcionado del escrito, aunque antes de que pudiera discutirlo con la guionista, ella murió de cáncer. Sin otro escritor disponible en esos momentos, el cineasta tuvo que escribir el siguiente borrador por cuenta propia. De hecho, fue en éste donde utilizó por primera vez el término «Episodio» para enumerar cada una de sus cintas; así, en ese entonces, designó a Empire Strikes Back como Episodio II. Al respecto, Michael Kaminski, en The Secret History of Star Wars, menciona que la desilusión en torno al guión de Brackett, pudo haber sido la causa de que Lucas tomara un rumbo distinto en cuanto a la historia.[58] Así, hizo uso de un nuevo giro argumental: Darth Vader revela que es el padre de Luke. Según el propio George Lucas, haber escrito ese borrador fue una experiencia agradable, en comparación al año pasado, el cual fue problemático
en cuanto a la redacción de la primera parte. Poco después, redactó un par adicional de escritos, ambos terminados para abril de 1978. Asimismo, dio un toque más oscuro a la historia, al incorporar la escena donde Han Solo queda aprisionado en carbonita, dejando su vida a la suerte.
El nuevo rumbo tomado en el relato a partir de la designación de Darth Vader como el padre de Luke tuvo efectos drásticos en Star Wars. Según Kaminski, en su libro cuenta que la conexión familiar entre el villano y el héroe difícilmente pudo haberse discutido con seriedad, o incluso ser concebida, antes de 1978, así que la primera película claramente describe eventos alternativos en los que Vader está lejos de ser el padre de Luke. Tras escribir el segundo y el tercer boceto de Empire Strikes Back, en los cuales se incorporó este acontecimiento, Lucas propuso nuevas modificaciones a la historia: «Anakin había sido en un pasado el brillante aprendiz de Ben Kenobi; a su vez, el primero tuvo un hijo llamado Luke, pero poco antes habría de ser llamado al lado oscuro por el emperador Palpatine (quien pasa a ser un Sith y no un político ordinario). Entonces, Anakin se enfrenta a su maestro en un volcán y resulta herido, para luego ser
resucitado como Darth Vader. Mientras tanto, Ben Kenobi oculta a Luke en Tatooine, momento para el cual la República se convierte en el Imperio y Vader comienza la cacería de los caballeros Jedi».
Con esta nueva orientación, Lucas decidió que la serie pasaría a ser una trilogía, cambiando en el siguiente borrador a Empire Strikes Back de «Episodio II» a «Episodio V». Lawrence Kasdan, quien acababa de terminar el guión de Raiders of the Lost Ark, fue contratado para escribir los siguientes bocetos, obteniendo inclusive más detalles de la historia a partir del director Irvin Kershner. Kasdan, Kershner y el productor Gary Kurtz concibieron a esta parte en particular como más seria y adulta, siendo ayudada en gran parte por la nueva historia más oscura que, prácticamente, redefinió los orígenes con los que había surgido la primera película.
Para el momento en que empezó a escribir el «Episodio VI» en 1981 (en ese entonces, conocido como La venganza de los Jedi), muchas cosas habían cambiado. La producción de Empire Strikes Back se tornó estresante y costosa, pasando Lucas por momentos muy delicados en su vida personal. Desanimado por esta situación, decidió que no haría más películas de Star Wars, mencionando incluso públicamente que la serie había concluido en una entrevista ofrecida a la revista Time en mayo de 1983. Los primeros guiones de Lucas para este nuevo capítulo, que se remontan a 1981, muestran a un Darth Vader compitiendo con el emperador por la posesión de Luke. En el segundo guión, consistente en una versión mejorada del original, Vader se convierte en un personaje simpático. Kasdan fue contratato nuevamente para encargarse del libreto final, siendo el responsable de que el villano principal se redima y quede desenmascarado en las últimas escenas.
Adicionalmente, este cambio en el personaje habría de proporcionar un precedente para la historia trágica de Darth Vader, la cual se convertiría en el eje argumental de las precuelas de Star Wars, producidas décadas después.

STAR WARS

Star Wars (también conocida en español como La guerra de las galaxias, aunque literalmente significa «Guerras Estelares») es una franquicia de medios estadounidense que pertenece al género de la opereta espacial épica y que ha sido concebida por el guionista, director y productor de cine George Lucas.
La primera película de la franquicia, Star Wars: Episode IV - A New Hope, contó con actores como Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew y David Prowse, y aunque tuvo numerosas dificultades durante la producción, finalmente fue distribuida por 20th Century Fox y estrenada el 25 de mayo de 1977. Se convirtió en un fenómeno de la cultura popular a nivel mundial y su influencia ha sido reconocida por numerosos cineastas.El éxito de la película dio alas a Lucas para financiar personalmente las dos secuelas que completaron la llamada «trilogía original», Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back y Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, a las que se incorporaron nuevos actores como Billy Dee Williams, Frank Oz e Ian McDiarmid, y que fueron estrenadas en intervalos de tres años.
En 1971 Universal Studios aprobó la producción de dos películas, American Graffiti y Star Wars, como parte de un contrato que hizo con George Lucas, aunque la segunda fue rechazada cuando se hallaba en sus primeras fases de desarrollo. El rodaje de American Graffiti finalizó en 1973 y, pocos meses después, Lucas escribió un boceto al que tituló «The Journal of the Whills» y en el que relataba el entrenamiento del aprendiz C. J. Thorpe como comando espacial «Jedi-Bendu» a manos del legendario Mace Windy. Al pensar que esta historia sería demasiado difícil de comprender, redactó un tratamiento de trece páginas al que llamó «The Star Wars» y que consistía en una especie de remake de la película Kakushi toride no san akunin (en español La fortaleza escondida), dirigida por Akira Kurosawa. Para 1974 ya había extendido dicho tratamiento a un guión en el que incorporaba elementos como los Sith, la Estrella de la Muerte y un joven llamado Annakin Starkiller como personaje central. La segunda versión fue muy simplificada e introdujo al joven héroe, llamado ahora Luke, en una granja; además, convirtió a Anakin en el padre del protagonista y en un sabio caballero Jedi, e incorporó la Fuerza como un poder sobrenatural. En la siguiente versión, Lucas eliminó al personaje paterno y lo reemplazó por un sustituto llamado Ben Kenobi. Una cuarta versión fue terminada en 1976, siendo la definitiva para comenzar la etapa de rodaje. Al principio, el filme llevaba por título Adventures of Luke Starkiller, as taken from the Journal of the Whills, Saga I: The Star Wars. Durante la producción, Lucas cambió el apellido de Luke a Skywalker, simplificando asimismo el título a Star Wars.
Hasta ese punto, Lucas no tenía en mente realizar una serie de cintas sobre Star Wars. De hecho, el guión definitivo pasó por cambios que lo volvieron más concluyente y sustancial al mismo tiempo, concluyendo precisamente con la aniquilación del Imperio a partir de la destrucción de la Estrella de la Muerte, Sin embargo, poco antes Lucas determinó que sería la primera entrega en una serie de aventuras, confirmando a la vez que Star Wars no habria de ser la primera en la cronología, sino la inaugural de una segunda trilogía en la saga completa. Lo anterior se menciona de forma explícita en el prólogo de la reedición de la novela de Alan Dean Foster Splinter of the Mind's Eye, reedición de 1994:
"La antigua ciudad de Tikal (Guatemala) sirvió como escenario para la base rebelde en la luna Yavin.
El Hotel Sidi Driss, en Matmata (Túnez), representó la granja de Owen y Beru Lars y su sobrino Luke.
El Parque Nacional Redwood, en California (Estados Unidos), donde se rodaron escenas de la luna Endor.No mucho tiempo después de que comenzara a escribir Star Wars, concluí que la historia daba para más de lo que una simple película podía dar cabida. Mientras completaba la saga de los Skywalker y los caballeros Jedi, empecé a visualizarlo como un relato que tomaría lugar en, por lo menos, nueve películas —tres trilogías— y decidí continuar justo entre los hechos precedentes y los sucesivos, partiendo entonces con la historia intermedia".

SPOCK

Spock es un personaje de la franquicia de ficción Star Trek.Inicialmente interpretado por Leonard Nimoy en la serie original de Star Trek, también aparece en la serie animada de Star Trek, dos episodios de Star Trek: The Next Generation, siete de las películas de Star Trek y en numerosos libros, comics y videojuegos sobre la serie.En la película Star Trek XI también aparece su personaje interpretado por Leonard Nimoy aunque Zachary Quinto interpreta a Spock de joven.
Este personaje de raza medio-vulcano es uno de los más conocidos de la serie original de televisión. El nombre de Spock, que nunca se ha mencionado en la serie, es impronunciable para los humanos.Spock es hijo del embajador de Vulcano Sarek y su esposa humana Amanda Grayson. En su niñez, dado su origen vulcano-humano era el hazmereir de sus compañeros, por lo cual se sometió a una prueba de valor en la cual se le pidió elegir para el resto de su vida una de las dos culturas que habían marcado su nacimiento y adoptó la cultura vulcana. Este hecho es relatado en uno de los episodios de Star Trek Serie Animada. Pese a que Spock se proclama vulcano, sufre un conflicto interno entre la razón y la lógica de su mitad vulcana y la emoción y la intuición de su mitad humana. Para los cánones humanos, sin embargo, es indudablemente lógico y extremadamente flemático a la hora de afrontar el peligro.
Durante casi toda su carrera en la Flota Estelar —se unió a ella en contra de los deseos de su padre Sarek— el Sr. Spock estuvo sirviendo a bordo de una única nave, la célebre USS Enterprise NCC-1701. Pasó casi once años a las órdenes de su capitán James T. Kirk. El primer mando que obtuvo fue temporal, y siendo él teniente, cuando ordenó la evacuación de la Enterprise de Talos IV, tras el rapto de todos los oficiales superiores a manos de los hostiles habitantes.
A finales de la década de 2260, Spock ascendió a teniente comandante y se le asignó el puesto de primer oficial y oficial científico de la nave estelar Enterprise bajo el mando del capitán James T. Kirk (Star Trek (TOS)). En 2268, Spock había obtenido el rango de comandante. Dimitió de sus funciones en 2270 con intención de regresar a Vulcano y proseguir su entrenamiento de la disciplina Kolinahr (eliminación total de los sentimientos).En el año 2271 volvió al servicio activo y regresó como comandante y oficial científico de la USS Enterprise. Tras el incidente V'Ger (relatado en Star Trek: La película), y la pérdida del primer oficial de la Enterprise, el capitán William Decker y la teniente Ilia del planeta Delta, Spock asumió el puesto de primer oficial y oficial científico de la USS Enterprise. Se supone que después de este incidente, tuvo lugar una nueva aventura; sin embargo esto no se ha establecido en el canon.Unos cuantos años después, la Enterprise se destinó como nave de entrenamiento para la Academia de la Flota Estelar. Spock ascendió al rango de capitán y se le asignó el mando de la USS Enterprise, en tanto que Kirk reanudó sus obligaciones como almirante en el Comando de la Flota Estelar. En el año 2282, Spock fue relevado temporalmente del mando durante la Crisis del Génesis(Star Trek II: La ira de Khan), cuando el almirante James Tiberius Kirk asumió el comando de la Enterprise según las órdenes de la Flota Estelar para combatir contra Khan Noonieng Singh. Durante esta misión, Spock falleció en acto de servicio al entrar en la cámara de anti-materia sin el traje de protección. Fue un último y heroico esfuerzo (las necesidades de muchos anteceden a las necesidades de pocos e inclusive a la de uno mismo) que terminó en éxito, para poder reactivar los motores de curvatura (warp) justo a tiempo de permitir que la Enterprise escapara de la explosión provocada por el Dispostivo Génesis, que generaría vida en el planeta Génesis.
Más tarde se descubrió que Spock había transferido, poco antes de morir, su katra, su esencia espiritual, al cerebro del Dr. Leonard McCoy. Durante un funeral espacial se le rindieron honores al capitán Spock, y su cadáver se lanzó dentro de un torpedo al incipiente planeta Génesis. Gracias al exclusivo y peculiar medio ambiente del planeta (fruto del Proyecto Génesis) su cuerpo pudo "regenerarse" en el planeta, por lo que pudo ser recuperado, y su katra le fue devuelta (mediante el rito vulcaniano llamado Fal-Tor-Pan) en Star Trek III: En busca de Spock. (El asunto del katra se trató posteriormente en la serie Star Trek: Enterprise.)

SYLVESTER STALLONE

Sylvester Gardenzio Stallone (nacido en Nueva York, Nueva York, Estados Unidos el 6 de julio de 1946) es un actor, escritor y director de cine estadounidense.
También conocido como "Sly" Stallone, es considerado como una de las estrellas más importantes del cine de acción desde la década de 1970. Stallone ha dado vida a dos de los personajes mas icónicos del cine de Hollywood: Rocky Balboa, el humilde boxeador de Filadelfia que venció todos los pronósticos y ante la adversidad, se convirtió en campeón; y John Rambo, el atormentado ex boina verde veterano de la guerra de Vietnam, especializado en misiones de rescate y venganza.
Aparte de las sagas de Rocky y Rambo, entre sus cintas más populares se encuentran: The Expendables (2010), Asesinos (1995), El Juez Dredd (1995), El especialista (1994), Demolition Man (1993), Cliffhanger (1993), Lock Up (1989), Tango y Cash (1989), Over the Top (1987) y Cobra (1986).A lo largo de su carrera, Stallone ha explotado el arquetipo varonil de tipo duro y rechazando filmes serios y de contenido dramático protagonizando numerosas películas de acción con algunas incursiones sin éxito en la comedia. Después de sus intentos en el género dramático a finales de la década de 1970 en cintas como F.I.S.T. y Paradise Alley, que a pesar de recibir críticas positivas fracasaron en taquilla, ha sido denostado por la crítica en muchas otras cintas debido a su notable musculatura y la falta de expresiones emocionales en sus actuaciones, pese a ello es un claro exponente del cine de entretenimiento de las últimas tres décadas.

MIRTA MILLER

Mirta Miller (Buenos Aires, 16 de agosto de 1948) es una actriz argentina afincada en España.Se traslada a España desde su Argentina natal a finales de los años 60 y comienza a trabajar como modelo. Poco después debuta ante la cámara para desarrollar una prolífica carrera cinematográfica condensada sobre todo en la década de los años setenta.
Una de las mayores exponentes del cine español de los años 70. Su filmografía está plagada de películas, tanto comedias como de terror. Su principal marca de identidad era mostrar su talento como intérprete femenina en una época en la que España despertaba del letargo franquista. Uno de sus últimos papeles fue en la producción erótica "Bolero", junto a Bo Derek y Ana Obregón.
Participa en esa época también en espectáculos de café-teatro como La fontana o Cantando se entiende la gente. Finalmente se retira del mundo del espectáculo a mediados de la década de los ochenta para reaparecer únicamente de forma muy puntual en alguna película.
Se la atribuye un sonado romance con el aristócrata español Alfonso de Borbón y Dampierre.

WILLEM DAFOE

William "Willem" Dafoe (n. Appleton, Wisconsin, 22 de julio de 1955), es un actor estadounidense de cine y teatro, coproductor y miembro fundador de la compañía The Wooster Group. Nominado en dos ocasiones al premio Oscar como mejor actor de reparto.
Nació en el seno de una familia de profesionales de la medicina. Tiene siete hermanos y estudió Arte Dramático en la Universidad de Wisconsin-Milwaukee, aunque abandonó los estudios antes de graduarse, para participar en varias compañías teatrales y viajar por los Estados Unidos y Europa. En 1977 se unió a la directora teatral Elizabeth LeCompte con quién tuvo a su hijo Jack en 1982
Willem Dafoe debutó en su carrera cinematográfica en 1981 y en 1986 obtuvo su primera nominación al Óscar al mejor actor de reparto por Platoon, de Oliver Stone, en el papel del compasivo sargento Elías.
En 1988, interpretó a Jesús de Nazaret en La última tentación de Cristo, de Martin Scorsese, recibiendo la aclamación de la crítica a pesar de la controversia religiosa generada por la película.
En los años siguientes participó en películas de gran éxito de taquilla, como Nacido el 4 de julio (1989), Corazón salvaje (1991), El paciente inglés (1996). En 1992, participó junto a Madonna en una película de suspense erótico, que fracasó comercialmente: El cuerpo del delito (Body of Evidence) de Uli Edel.
En el año 2000 fue nuevamente nominado al Óscar al mejor actor de reparto por La sombra del vampiro de Elias Merhige, para la que se sometió a largas sesiones de maquillaje para interpretar a Max Schreck, actor protagonista del clásico del cine de terror Nosferatu, de F.W. Murnau. En 2002 dio vida en la pantalla a Norman Osborn y su álter ego el Duende Verde en Spiderman, de Sam Raimi, en la que también debió someterse a un gran esfuerzo de caracterización. Reapareció puntualmente encarnando el mismo personaje en las secuelas Spiderman 2 (2004) y Spiderman 3 (2007).
Willem Dafoe ha destacado en numerosas películas por interpretar a personajes de carácter. Para el crítico Tomás Obregón "Willem Dafoe pasará a la historia por el trasfondo perverso y su maquiavélica sonrisa de demonio que imprime en sus personajes del lado oscuro y por haber protagonizado la película más controvertida de la historia

ROBERT REDFORD

Charles Robert Redford (nacido en Los Ángeles, 18 de agosto de 1936) es un actor y director estadounidense ganador de los premios Óscar y Globo de Oro. A su extensa y apreciada carrera hay que sumar su condición de sex symbol para varias generaciones, título que compartió con su colega y amigo Paul Newman, con quien rodó películas de gran éxito.
Nació en el distrito de Santa Mónica, en Los Ángeles (California) como Charles Robert Redford, Jr.. Marta, su madre, era ama de casa, y su padre lechero, de religion católico de origen irlandés
Se crió en el barrio hispano del oeste de Los Angeles. En los años 50 su padre trabajó como contable en la Standard Oil y se trasladaron a un suburbio de clase media en el valle de San Fernando. A su madre se le diagnosticó un cáncer. Redford atravesaba entonces una época de rebeldía. Sin embargo, le gustaba contar historias y dibujar. Una excursión al parque nacional de Yosemite le imprimió un intenso amor por la naturaleza, que influiría en muchas de sus películas.
En 1955 la madre de Redford murió a los 41 años de edad. Él abandonó los estudios en 1956 y se fue a Italia y Francia para probar la vida bohemia de un artista. Regresó desilusionado en 1957 y comenzó a beber más que nunca. En ese mismo año conoció a Lola, una universitaria de Utah, con la que inició una relación que tuvo una influencia positiva en él. Dejó de beber y en 1958 se matriculó en el Prat Institut de Nueva York para estudiar arte. Le interesaba el diseño de escenarios y siguió el consejo de estudiar interpretación para aprender más sobre el teatro. Nunca le había atraído el trabajo de actor, pero le agradó la experiencia.
En 1958 se casó con Lola y al año siguiente nació su hijo Scott, que falleció pocos meses después por muerte súbita. En ese mismo año uno de sus profesores le consiguió su primer papel en Broadway. En 1960 comenzó a trabajar en la televisión, en la serie Playhouse 90, y a continuación en Perry Mason, Alfred Hitchcock presenta y La dimensión desconocida. A raíz de ello, su padre le llegó a decir: «¿Por qué no te buscas un trabajo de verdad?»
En 1960 Redford y su esposa tuvieron una hija, Shawna, y en 1962 nuevamente un hijo, David Jones. En esos años compraron una parcela en Utah, donde construyeron una vivienda. Su hija Amy nacería en 1970
En el año 1962 Redford consiguió su primer papel en un largometraje de cine, War Hunt, de Denis Sanders. A continuación volvió a actuar en Broadway, en la obra Descalzos por el parque, dirigida por Mike Nichols, quien impuso la participación de Redford, a quien había visto en la televisión. Esta obra de teatro le convirtió en estrella de Broadway. Fue el trampolín perfecto hacia Hollywood, donde fue contratado en 1964. En sus cuatro primeras películas hizo papeles secundarios y no le proporcionaron un éxito digno de mención. Estas películas fueron La rebelde (protagonizada por Natalie Wood), La jauría humana de Arthur Penn, Situación desesperada y Propiedad condenada
En 1966 Redford se trasladó a España para comenzar una vida bohemia. Pero en ese mismo año le ofrecieron un papel como protagonista en la versión cinematográfica de Descalzos por el parque, junto a Jane Fonda, que fue un gran éxito.
En los años siguientes intervino en varias películas que le consolidaron como actor de prestigio y también como estrella de Hollywood; la primera de ellas, Dos hombres y un destino, con Paul Newman, con quien congenió rápidamente. Otras películas de éxito fueron Un diamante al rojo vivo, Tal como éramos, dirigida por su amigo Sydney Pollack y co-protagonizada por Barbra Streisand, y El golpe, nuevamente con Newman, que obtuvo 5 Óscar y por la que Redford recibió su primera nominación, como actor principal.
Redford creó también su propia productora, Wildwood Enterprises, cuya primera película fue El descenso de la muerte (1969), de Michael Ritchie.
En 1976 actuó en Todos los hombres del presidente, sobre el caso Watergate, junto a Dustin Hoffman. La película consiguió seis nominaciones a los Óscar, incluida la de mejor película. En 1979, protagoniza El jinete eléctrico junto a una destacable Jane Fonda donde una vez más aparece el amor hacia los caballos que Redford profesa.
Siguió siendo una estrella con tirón comercial en la década de los 80, donde destacan dos películas: Memorias de África, con Meryl Streep, filme que cosechó siete premios Óscar, entre ellos el de mejor película, y Peligrosamente juntos (1986) con Debra Winger y Daryl Hannah. En 1985 se separó de su esposa Lola y posteriormente mantuvo una larga relación con la actriz brasileña Sonia Braga.
Como director, Redford ya tiene una trayectoria importante, con películas que le valieron el reconocimiento de la profesión y del público. En 1980 se inicia como director con Gente corriente, que obtuvo muy buenas críticas y éxito de taquilla, y que le supuso el Óscar al mejor director. Consiguió otras tres nominaciones a los Óscar, dos como director y uno como mejor película.
Redford dirigió también Un lugar llamado milagro, una película bucólica y de fantasía en la que se refleja su amor por la naturaleza y la vida rústica, pero que no tuvo un éxito significativo.
En 1992 dirige El río de la vida, con Brad Pitt y Tom Skerritt, donde trata de la de comunicación entre padres e hijos, un tema recurrente en su vida.
Posteriormente dirigió Quiz Show, que obtuvo buenas críticas, aunque escasa aceptación en taquilla, y que supuso su segunda nominación a los Óscar como director. En 1998 dirigió El hombre que susurraba a los caballos, basada en la novela de Nicholas Evans y en 2000 dirigió La leyenda de Bagger Vance.
Redford creó en 1980 un centro de enseñanza para jóvenes cineastas, el Instituto Sundance, en sus terrenos de Utah. Llevó adelante esta empresa a pesar de no encontrar apoyos. Su instituto subvenciona a nuevas promesas con todos los gastos pagados durante 4 semanas, proporciona profesores, material técnico y el asesoramiento de grandes profesionales.
Viendo la calidad de los trabajos decidió crear un festival de cine paralelo para exponer los trabajos de los estudiantes que hoy se ha convertido en el festival de cine independiente más importante del mundo: el Festival de Cine de Sundance, que se celebra todos los eneros desde el 83 en Park City, Utah. Es curioso porque el nombre de la escuela y el festival viene de la película que protagonizó en 1969 con Paul Newman: Dos hombres y un destino, en la que él se llamaba The Sundance Kid.
A partir de la década de 1980, Robert Redford fue espaciando sus trabajos como actor de cine, si bien siguió participando en varias producciones de prestigio por director y/o reparto. Entre ellas destacan las películas románticas Habana de Sydney Pollack (con Lena Olin) e Intimo y personal con Michelle Pfeiffer, y dos del género de intriga: Spy Game con Brad Pitt y La sombra de un secuestro con Helen Mirren. Pero acaso tuvo más repercusión comercial otra película de calidad y argumento más discutibles: Una proposición indecente, con Demi Moore. En 2005, rodó con Jennifer Lopez Una vida por delante.
Para la elección presidencial de 1976, Redford preparó al Presidente Carter para el debate presidencial, obteniendo óptimos resultados, ya que Carter ganó el debate y Ford cometió varios errores. Jimmy Carter obtuvo en la elección un 50.1% contra un 48% de Ford.
En 1977 Redford escribió un libro de denuncia sobre la expansión estadounidense hacia el oeste, The Outlaw Trail. Luchó con éxito contra la construcción de una central eléctrica en Utah, lo que le valió numerosas amenazas
El 11 de julio de 2009 se casó con su pareja desde hace años Sibylle Szaggars, pintora alemana. La ceremonia tuvo lugar en Hamburgo en la intimidad de la familia y amigos más próximos.