viernes, 28 de septiembre de 2012

8MM / 8 MILÍMETROS

8mm u Ocho Milímetros es una película de misterio y suspense, dirigida por Joel Schumacher, estrenada en 1999. Nicolas Cage encarna a un detective privado que se adentra en el submundo de la pornografía para investigar un asesinato grabado en una cinta.Tom Welles (Cage) es un detective privado contratado por una anciana viuda, cuyo millonario y reconocido esposo falleció recientemente. Ella ha encontrado un rollo de película Super-8 en una caja fuerte. En la película está grabado el violento asesinato de una adolescente, que debido a su gran autenticidad lleva a Welles a pensar que se trata de una película snuff. Welles comienza la investigación, que lo lleva a descubrir la identidad de la víctima, después a contactarse con su madre y posteriormente acercarse a la oficina de un productor de películas pornográficas en Hollywood. La creciente obsesión de Welles por resolver el caso lo aleja de su esposa y su hija recién nacida y lo lleva al perturbador inframundo de la industria pornográfica más extrema. Cuando la identidad de los asesinos queda al fin descubierta, la vida de Welles se encuentra en un peligro más grande del que había previsto. Nicolas Kim Coppola (7 de enero de 1964; Long Beach, California), más conocido como Nicolas Cage, es un actor estadounidense, ganador de los premios Óscar, Globo de Oro y SAG por su papel en la película Leaving Las Vegas. Y estuvo cerca de llevárselo en 2002 por Adaption: El ladrón de orquídeas, pero perdió frente a Adrien Brody, que competía por El pianista. Nadie duda de que Cage es uno de los actores más taquilleros del Hollywood actual, pero la opinión de la crítica hacia él ha empeorado bastante porque se embarca en demasiados proyectos comerciales con el único afán de ganar dinero. Productos de consumo veraniego y en su mayoría de escasa calidad, como la mencionada Ghost Rider, Next o The wicker man. Para ser justos, podemos salvar algunas de sus interpretaciones y películas como Family man (2000) y El señor de la guerra (2005), donde verdaderamente dio la talla. (LÁMINA REALIZADA RECREANDO EL CARTEL DE LA PELÍCULA PINTADA CON ACUARELAS)

domingo, 23 de septiembre de 2012

FREDDIE MERCURY

Zanzíbar, 1946 - Londres, 1991) Vocalista, músico y compositor que fue conocido a escala internacional como líder de la banda de rock británica Queen, pero que también desarrolló una trayectoria paralela en solitario de innegable éxito. Ni su verdadero nombre fue Freddie Mercury, ni llegó al mundo en el Reino Unido, el país que le vio triunfar. Se llamaba Farookh Bulsara y nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar (Tanzania), situada en la costa este de África y famosa por su producción de especias. Figura provocadora, versátil y carismática como pocas, su fallecimiento el 24 de noviembre de 1991 conmocionó al mundo de la música.Farookh era un niño extraordinariamente guapo, tímido y muy apegado a su madre y a su hermana pequeña Kashmira, que había nacido en 1952. Sus padres, Jer y Bomi Bulsara, formaban un matrimonio de origen persa devoto del profeta Zoroastro, y decidieron enviar al niño a la India para que recibiera una buena educación. Allí quedó al cuidado de sus tíos y fue matriculado en la St. Peter's School, institución de enseñanza británica situada en Panchgani, a unas cincuenta millas de Bombay. Muy interesado por los deportes, el joven Bulsara mostró buenas maneras como boxeador aunque, después de que su madre le animara a colgar los guantes porque resultaba una práctica demasiado violenta, cambió el ring por la mesa de ping pong y a los diez años ya era campeón escolar de la disciplina. Como también en aquellos años de la infancia comenzó a despertar su afición por la música, siguió clases de piano e ingresó en el coro de la escuela. Convencido de sus tempranas habilidades musicales, fue el propio director del St. Peter's quien recomendó a los padres del joven que iniciara los estudios de piano. Durante este periodo de formación, el inquieto Farookh también empezó a demostrar ciertas aptitudes escénicas y participó en varias obras de teatro colegiales. Muy pronto puso en pie su primer grupo musical, The Hectics, una banda amateur de rock and roll que prodigaba sus actuaciones en todas las fiestas y bailes del colegio. En esta formación, en la que ocupaba el puesto de pianista, le acompañaban Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani y Victory Rana. Las primeras influencias musicales de Farookh llegaron de la mística música hindú, de los sonidos clásicos y algo del rock and roll que por entonces se producía en otras partes del planeta. En aquella época, sus amigos del colegio comenzaron a llamarle Freddie, traducción más o menos fiel de Farookh al inglés, y, de hecho, el propio joven firmaba en ocasiones como Frederick. Regresó a Zanzíbar en 1962 junto a su familia, pero un par de años después, los Bulsara decidieron emigrar al Reino Unido, para huir del estallido de violencia que sufría la isla. Curiosamente, Freddie jamás volvería a su tierra natal, ni tampoco a la India; una nueva etapa de su vida comenzaba entonces en una casa de Feltham (Middlesex), cerca de Londres. Ingresó en el Isleworth Polythecnic y, durante las vacaciones, se empleaba en trabajos eventuales para ganar un dinero extra. Hacia 1966, Freddie era un alumno de la Ealing Art School, que estudiaba para convertirse en diseñador gráfico, aunque su interés por la música no había desaparecido. Abandonó su casa y alquiló un piso en Kensington junto a un compañero llamado Chris Smith. Por entonces también trabó muy buena amistad con Tim Staffell, otro amigo de la Ealing que formaba parte de un grupo llamado Smile, en el que tocaban Brian May y Roger Taylor. Freddie se convirtió en seguidor y fan número uno de la banda. En 1969, dejó la escuela con su diploma en artes gráficas y diseño en el bolsillo y comenzó a compartir piso con Roger, con quien acudía a un puesto del mercadillo de Kensington para vender ropa y pinturas. En el verano de ese mismo año, Freddie empezó a cantar en un grupo de Liverpool llamado Ibex, que se había trasladado a Londres buscando fama y éxito, pero que tuvo una efímera y complicada existencia. El 23 de agosto de 1969, Freddie debutó en público junto al trío formado por Mike Bersin, John Tupp Taylor y Mick Miffer Smith. Un mes más tarde, el grupo cambió de batería y de nombre. Miffer abandonó la formación y dejó su sitio a Richard Thompson, ex componente de 1984, la banda de Brian May. Después de esta experiencia fallida, Freddie lo intentó en otra banda llamada Sour Milk Sea, con la que contactó gracias a un anuncio del Melody Maker en el que buscaban un vocalista. A finales de 1969, Freddie era el vocalista del grupo, en el que también estaban Chris Cheney y Jeremy Rubber Gallop a la guitarra, el bajista Paul Milan y el batería Rob Tyrell. Pero esta prometedora aventura tan sólo duró unos meses porque, en abril de 1970, Smile volvió a cruzarse en su trayectoria. Su viejo amigo Tim Staffell había decidido abandonar la formación y Roger y Brian le pidieron que fuera el vocalista del grupo.

DUELO DE TITANES

Película de 1956, realizada por el director John Sturges para la Paramount Pictures, y que narraba la historia idealizada de las aventuras de Wyatt Earp y John Doc Holliday. A pesar de que cualquier película que tome el tema del duelo de Ok Corral, siempre tiene la difícil comparación con la obra maestra de John Ford, Pasión de los fuertes, (My darling Clementine, era su título original). Esta película también es conocida por el nombre de OK Corral el cual es un nombre más cercano al original titulo en inglés. Para evitar la comparación con la obra fordiana, la película de Sturges toma un punto de vista totalmente distinto, mostrándonos así una película que en su forma poco o nada tienen que ver con la mencionada Pasión de los fuertes aunque coincida en el fondo, que es el famoso duelo entre los Earp y los Clanton en OK Corral. Uno de los temas principales en esta película es la amistad entre dos hombres y de que se es capaz para mantenerla, se llegó a pensar incluso que esta amistad rozaba limites llegando a pensar en una homosexualidad de los personajes. Wyatt Earp, Sheriff de Dodge city persigue a Ike Clanton y sus hermanos por robar ganado y venderlo en México. Confiando en que su viejo amigo y mentor el Sheriff Wilson, haya arrestado al cuatrero se desplaza hasta el distrito de este, para descubrir que su amigo ya no es el que era y se ha convertido en un viejo cobarde. Tras el varapalo de la traición de Wilson, Wyatt averigua que Clanton ha jugado a las cartas con el pistolero, jugador y ex dentista John Holiday. Earp interroga a este, pero este se niega a decirle hacia donde iban los Clanton. Poco después, Holiday debe matar a un pistolero en defensa propia, pero es tanto el odio que le tienen en el pueblo que es detenido por la ley, y salvado por Earp cuando iba a ser linchado por una turba salvaje. Wyatt Earp regresa a Dodge city, y al poco tiempo llega John Holiday dispuesto a devolverle el favor que le hiciera salvándole del linchamiento. Poco a poco el Sheriff y el pistolero se van haciendo amigos, por dos veces Holiday ayuda al Sheriff contra sus enemigos quedando saldada su deuda. Pero, cuando Earp va a dejar su trabajo para casarse y ser granjero, llega un telegrama de uno de sus hermanos que es Sheriff de Tombstone, un pueblo donde se ha establecido Clanton y los suyos, y Wyatt debe ir a ayudarle. El personaje de Wyatt Earp esta interpretado por Burt Lancaster, y el de Doc Holliday por Kirk Douglas, los personajes secundarios están también interpretados por actores importantes el de Laura Demot, novia de Wyatt fue interpretado por Rhonda Fleming, y el pistolero a sueldo Johny Ringo, enemigo de John Holiday fue interpretado por John Ireland.

miércoles, 19 de septiembre de 2012

EL CINE NEGRO AMERICANO

El cine negro es fundamentalmente un estilo visual. Poseía también sus sonidos característicos, normalmente una banda sonora realista, llena de sonidos urbanos y de música de jazz, pero lo que realmente define al cine negro son sus imágenes. La lluvia que cae de noche sobre las calles de la ciudad reflejada en las aceras por la débil luz de las farolas, las luces de neón de los antros nocturnos, la oscuridad y el humo que no deja ver nada, las composiciones angulares que dan la sensación de presión y claustrofobia, las marcadas sombras que dotan de un ambiente siniestro a la atmósfera; y la noche omnipresente y amenazadora donde los personajes se mueven y viven como si sus oscuras motivaciones y secretas culpas no resistieran el examen de la luz del día.
Con la incorporación del sonido en 1927, el cine adquiere nuevas dimensiones expresivas nunca antes imaginadas, dotando a las películas de mayor realismo y posibilitando incluir una banda sonora a los turbulentos años que vivía América. Las novelas pulp, los cómics y el primer cine de gangsters, junto con la novela negra, establecen las bases argumentales del futuro cine negro. Películas como La ley del hampa (Underworld, 1927), de Josef von Sternberg y Arthur Rosson, Scarface, el terror del hampa (Scarface, 1932), de Howard Hawks, o Hampa dorada (Little Caesar, 1930), de Mervyn LeRoy, ya reflejan la corrupción y los asesinatos a los que más tarde el cine negro volverá, pero aún manteniendo un esquema argumental muy sencillo y lineal, basado en el auge y caída de los gangsters.La realidad histórica también influye en la temática del cine negro. Las dos guerras mundiales, el crack de 1929, la incorporación de la mujer al trabajo, la emigración a las grandes ciudades, la paranoia política, el derrumbamiento general de los valores y de los papeles sexuales y económicos aceptados y la Ley Volsted (1919-1933), que prohibe el consumo de bebidas alcohólicas y genera un mercado negro que rápidamente es explotado, con la consiguiente corrupción, violencia y enriquecimiento rápido, por el nuevo self made man, el gangster, como lo reflejan películas como la citada Hampa dorada o The Roaring Twenties [tv/vd: Los violentos años 20, 1939], de Raoul Walsh. Las primeras manifestaciones del estilo negro se dieron por lo tanto a comienzos de la década de los 40, y muchos críticos toman El Halcón Maltés (The Maltese Falcon, 1941), de John Huston, como la primera película que abre el ciclo, que vivirá su periodo clásico durante esta década, para prolongarse hasta la de los 50 y terminar con Sed de Mal (Touch of Evil, 1958), de Orson Welles, como última obra puramente negra, para poco a poco difuminarse en otros géneros como el policiaco o el thriller criminal.
la estética de influencia expresionista es un elemento omnipresente en estas películas, y lo podemos apreciar en las luces y las sombras remarcadas, los planos picados y contrapicados, la configuración de los escenarios.... que nos recuerdan a M - El vampiro de Düsseldorf (M - Eine Stadt sucht einen Mörder, 1931) de Fritz Lang o El Gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, 1920) de Robert Wiene. También los personajes estereotipados, como los detectives privados que vemos en películas como El Halcón Maltés o El sueño eterno (The Big Sleep, 1946), de Howard Hawks, las mujeres fatales de Perdición (Double Indemnity, 1944), de Billy Wilder, o La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944), de Fritz Lang, los gangsters, etc., personajes siempre al margen de la ley, con conductas no siempre morales, ambiguos como la propia vida, con diálogos cortantes, cínicos y secos Otro característica fundamental es la presencia de la muerte y la violencia como eje dramático, una muerte, además, que perseguirá a los personajes de forma implacable, hasta consumar su destino del que no podrán huir (el fatum), de ahí el frecuente uso del flashback como elemento narrativo, entre otras cosas, porque lo que menos importa es la resolución de las acciones, ya que lo realmente transcendente son las turbias motivaciones que han llevado al asesinato o a la traición a ese personaje, unas veces impulsado por el contexto social a delinquir y otras simplemente arrastrado de forma involuntaria, por el amor de una mujer araña, al delito con tintes de pesadilla para su hasta entonces tranquila vida, como podemos ver en La mujer en el cuadro o en Perversidad (Scarlett Street, 1945), ambas dirigidas por el genial Fritz Lang.
La fuente primaria para los argumentos de los clásicos del cine negro fueron los thrillers americanos de detectives y crímenes, que se popularizaron en revistas como Black Mask y que se vio liderada por escritores como Dashiell Hammett y James M. Cain. Muchos de los clásicos del cine negro, como El halcón maltés y La llave de cristal (1942) estaban basados en novelas de Hammett, y las obras de Cain sirvieron a su vez como base para Perdición (Double Indemnity, 1944), Alma en suplicio (Mildred Pierce, 1945), El cartero siempre llama dos veces (1946), y Ligeramente escarlata (Slightly Scarlet, 1956; adaptada de la novela Love's Lovely Counterfeit). También una década antes de comenzar la época clásica del cine negro, una de las historias de Hammett vio la luz en el melodrama Las calles de la ciudad (City Streets, 1931), dirigido por Rouben Mamoulian. El escritor Raymond Chandler, que debutó como novelista con El sueño eterno en 1939,rápidamente se convirtió en el autor más popular de novela negra, y muchas de sus obras fueron llevadas a la pantalla, como Historia de un detective (Murder, My Sweet, 1944; adaptada de la novela Farewell, My Lovely), El sueño eterno (1946), y La dama del lago (1947). Chandler fue también uno de los más importantes guionistas del género, trabajando en los guiones de películas como Perdición, La dalia azul (1946), y Pacto siniestro (Extraños en un tren) (1951). Otro importante autor de novela negra que sirvió como fuente para muchas películas del género negro fue W. R. Burnett, cuya primera novela Little Caesar, fue llevada al cine convirtiéndose en un éxito por la Warner Bros. en 1931. Al año siguiente, Burnett fue contratado para escribir el guion de Scarface, mientras una de sus historias servía como base para El monstruo de la ciudad (Beast of the City, 1933). Ya durante la época dorada del cine negro, siete de sus novelas fueros llevadas al cine, entre ellas las más conocidas son El último refugio (High Sierra, 1941), This Gun for Hire (1942), y La jungla de asfalto (1950).

lunes, 17 de septiembre de 2012

BLADE RUNNER

Blade Runner es una película de ciencia ficción estadounidense, dirigida por Ridley Scott, estrenada en 1982 y basada parcialmente en la novela de Philip K. Dick: ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968). Se ha convertido en un clásico de la ciencia ficción y precursora del género cyberpunk. Obtuvo dos nominaciones a los Óscar. La película transcurre en una versión distópica de la ciudad de Los Ángeles, EE.UU., durante el mes de noviembre de 2019. El guion, escrito por Hampton Fancher y David Peoples, se inspira libremente en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick. El reparto se compone de Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, M. Emmet Walsh, Daryl Hannah, William Sanderson, Brion James, Joe Turkel y Joanna Cassidy; el diseñador principal fue Syd Mead y la música original fue compuesta por Vangelis.

miércoles, 12 de septiembre de 2012

JEAN PIERRE MELVILLE

Jean Pierre Grumbach, conocido como Jean-Pierre Melville (París; 20 de octubre de 1917 - ídem; 2 de agosto de 1973), fue un director de cine francés, precursor de la nouvelle vague y considerado un exponente clarísimo del cine polar (cine negro) francés. Sus películas sobre todo las de la década de los 60 acusan una exaltación total de la amistad entre hombres, muchas de estas películas basadas en historias de gangsters y de personajes que han vivido la Segunda Guerra Mundial, durante la Francia ocupada por el ejército nazi, ya que él mismo fue protagonista activo de la contienda. Tras unos comienzos difíciles, su valor comenzó a ser reconocido por una legión de seguidores, lo que le lleva a realizar una serie de películas, de las cuales, la más notoria es Deux hommes dans Manhattan 1958). Hasta 1961, año en que rueda Leon Morin Prete, Melville, definiría su cine, como "la búsqueda de un lenguaje". A partir de entonces, empieza a rodearse de actores más conocidos, algunos de ellos auténticas estrellas del cine francés. Sus principales actores fetiches a partir de ésta nueva etapa, fueron Jean Paul Belmondo, Lino Ventura y Alain Delon, siendo éste último el más recordado y con el que Melville mantuvo una amistad más estrecha. Otras figuras de las que se rodeó, fueron Simone Signoret, Michel Piccoli, Stefania Sandrelli, François Périer, Yves Montand o Gian Maria Volonté. En ésta época realiza sus películas más reconocidas: El confidente (Le doulos, 1962)]], Hasta el último aliento (Le deuxième soufflé 1965), El silencio de un hombre (Le samourai, 1967), El ejército de las sombras (L’armeé des ombres, 1969), y El círculo rojo (Le cercle rouge, 1970). Melville siempre ha sido considerado, el director más americano de los franceses, el más francés de los americanos... Se le tachó de americano por la realización de películas como ''Deux hommes dans Manhattan'' (1958) - anteriormente citada- Le Doulos (1962) o Le deuxieme soufflé (1966), películas con historias sobre robos, crímenes y gangsters, tan típicas del cine americano de los años 30, que tanto influyó en el director galo. Un claro ejemplo de éste acontecimiento se da en su película más conocida El silencio de un hombre (Le samourai, 1967), en la que el protagonista (Alain Deloin) interpreta a un asesino de nombre Jeff Costello, un nombre impensable para el escenario parisino donde sucede el film. Otros le tachaban de "francofrançais", más francés que los franceses, por obras citadas como Les enfants terribles (1950), Leon Morin Prête (1961) o L’armée des ombres (1969)

domingo, 9 de septiembre de 2012

LA NOVELA PULP

La traducción de “Pulp” debemos tomarla metafóricamente pues en Norteamérica popularmente se le denominó así a las historietas y revistas de relatos que generalmente trataban temas policiales, de ciencia ficción, terror e incluso macabros, cuando tenemos autores que van más allá del género anterior, como Lovecraft.El nombre también se da por el papel en el que se publicaban estas historias, amarillento y bastante rústico, que aún hoy podemos encontrar en viejas librerías o en mercadillos entre otros sitios especializados, o tiendas online.
Si bien podemos adquirirlas a bajo costo, hoy día muchas son de “colección”, con lo que su precio puede variar aleatoriamente. En sus inicios eran de venta muy económica, eso en parte por los autores que allí escribían, que en la mayoría de los casos no les conocía nadie. O al menos no eran tan famosos como en nuestro tiempo. Hablamos de escritores de la talla de Isaac Asimov, Ray Bradbury, Joseph Conrad, Arthur Conan Doyle, Jack London, Lovecraft, Zane Grey, Mark Twain, H.G. Wells, Tennessee Williams o Robert Bloch. Pues sí, en algún momento de sus vidas, también fueron completos desconocidos… Muchos de ellos escritores nóveles que comenzaban a dar sus primeros pasos buscando la fama, o bien en algunos casos, ya consagrados que decidían participar de estas historietas.
En cierto modo, también la ciencia-ficción popular de los bolsilibros y novelas de a duro es ciencia-ficción pop, y de hecho la génesis de ambas es contemporánea en el tiempo. Al menos en España. Durante los años 50 y 60 ambas manifestaciones culturales corrieron de la mano, la música pop forjándose y naciendo principalmente en los países anglosajones de la mano de una generación para la que la Segunda Guerra Mundial era un aburrido tema de conversación de los adultos, las novelas de a duro tomando carta de naturaleza desde kioskos y tiendas de intercambio en aquella España gris y tecnocrática, necesitada de evasión ante la miseria económica, política y cultural de la época. Aquella ciencia-ficción española poco tenía que ver con las tendencias del la New Wave, estaba directamente emparentada con el pulp de veinte años antes (hasta para eso las cosas llegaban con retraso a España) y como él era alegre y vitalista, con un alto componente naïf y toda una serie de autores encadenados a una forma de fabricar literatura y entender el mercado editorial.

viernes, 7 de septiembre de 2012

MAN FROM UNCLE / EL AGENTE DE CIPOL

El Agente de C.I.P.O.L. fue una serie de televisión estadounidense emitida por la cadena NBC desde septiembre de 1964 hasta enero de 1968. El título original en inglés era The Man from U.N.C.L.E. La serie fue creada por Metro-Goldwyn-Mayer y se hicieron 105 episodios. La primera temporada fue emitida en Estados Unidos en blanco y negro La serie trataba sobre una Agencia Secreta Internacional. La sigla del título original en inglés signficaba United Network Command for Law and Enforcement, en Latinoamérica se decía que C.I.P.O.L. significaba Comisión Internacional Para la Observancia de la Ley. Esta agencia secreta mantenía una constante lucha con una organización malvada THRUSH (originalmente llamada WASP en el capítulo piloto de la serie). Robert Vaughn es un actor de cine y televisión estadounidense mundialmente famoso por haber interpretado el personaje del espía Napoleón Solo en la serie El agente de CIPOL (The Man from U.N.C.L.E., en Estados Unidos) en los años sesenta y por su interpretación como el villano Ross Webster en Superman III. También es popular y reconocido por haber interpretado a Albert Stroller en la exitosa serie británica Hustle. David Keith McCallum (nacido el 19 de septiembre de 1933) es un prolífico actor escocés e hijo de un violinista concertino, David McCallum, Sr. Es más conocido por su papel como Ilya Kuryakin, un agente ruso en la popular serie de los sesenta The Man from U.N.C.L.E. (El Agente de C.I.P.O.L. en su versión en castellano), y por su papel del doctor Donald "Ducky" Mallard en NCIS. (MONTAJE FOTOGRÁFICO REALIZADO AL ESTILO TRADICIONAL CON PAPEL, PEGAMENTO Y TIJERAS COMO SI DE UN COLLAGE SE TRATASE, CORRIGIENDO BRILLOS EN LA EDICIÓN DE LA IMAGEN)

miércoles, 5 de septiembre de 2012

BRIGITTE BARDOT

Brigitte Bardot (París; 28 de septiembre de 1934) es una actriz y símbolo sexual francesa de mediados del siglo XX. Junto a Sophia Loren, es una de las pocas supervivientes del cine clásico. Hija de Louis Pilou Bardot y Anne-Marie Mucel, Brigitte está considerada como un mito erótico de los años 50 y 60. Conocida como BB, su belleza y sensualidad natural comenzaron a mostrarse en la adolescencia, etapa en la que apareció por primera vez en el cine: tenía 18 años, era 1952 y se trata de la película Le trou normand. Ese mismo año, además, se casó con el primero de sus cuatro maridos, el director de cine Roger Vadim. Sería una de las películas dirigidas por su primer marido, Et Dieu... créa la femme (1956) la que la lanzaría a la fama de la mano de Jean-Louis Trintignant. Una de las escenas protagonizadas por Bardot muestra a su personaje bailando descalza sobre una mesa y es considerada como una de las escenas más eróticas de la historia del cine. En 1954 realizó su primera película en los Estados Unidos, Un acte d'amour, coprotagonizada por Kirk Douglas. En 1965 se representó a sí misma en la película Dear Brigitte con James Stewart. Sin embargo, debido a lo limitado de su inglés, la actriz fue doblada en muchas de sus películas. En 1974, justo después de su 40º cumpleaños, Bardot anunció su retirada de las pantallas, tras haber protagonizado cerca de 50 películas y grabado varios discos, uno de ellos, el que mejores críticas obtuvo, con el chico malo de la música francesa, Serge Gainsbourg.

martes, 4 de septiembre de 2012

UNA HISTORIA PERVERSA

UNA HISTORIA PERVERSA: Año: 1969 Género: Thriller / Misterio / Drama País: Italia / Francia / España Formato: Color Duración: 97 minutos Título Original: Una sull'altra Estreno en España: 01-dic-1969. Dirección: Lucio Fulci Producción: Edmondo Amati Guión: Lucio Fulci / Roberto Gianviti / José Luis Martínez Mollá Fotografía: Alejandro Ulloa Música: Riz Ortolani Reparto: Jean Sorel,Marisa Mell,Elsa Martinelli,Alberto de Mendoza,John Ireland,Riccardo Cucciolla,Bill Vanders,Franco Balducci,Giuseppe Addobbati,Félix Dafauce George (Jean Sorel) dirige una clínica de prestigio en San Francisco. Está casado con una mujer que sufre de asma (Marisa Mell), pero la relación entre ellos es tensa y desagradable. Además George tiene una aventura con una bella fotógrafa (Elsa Martinelli). Todas las sospechas recaerán en George cuando su esposa muera en inciertas circunstancias. Lucio Fulci (Roma, Italia 17 de junio de 1927 - Roma, Italia 13 de marzo de 1996) fue un director, guionista y actor italiano.Después de estudiar medicina, optó por una carrera cinematográfica, trabajando en una gran variedad de géneros en Italia. A principios de los años 1970 eligió el área de los thrillers, dirigiendo películas de Cine Giallo que fueron un éxito comercial y bastante polémicas por su violencia y manera de ver a la religión. En 1979 filmó su primer gran éxito, llamado Zombi II, una película excesivamente sangrienta de zombis, tratando de igualar la popularidad de Dawn of the dead (1978), la cual fue titulada en Italia como Zombi (aunque no hay conexión entre la película de George A. Romero y Fulci). Le siguieron varias películas de terror y lo sobrenatural, la mayoría incluían zombis. Sus obras han sido catalogadas por algunos críticos como las películas más violentas y gore jamás hechas. City of the Living Dead (1980), El más allá (1981), The House by the Cemetery (1981), y The New York Ripper (1982) fueron algunos de sus grandes éxitos durante este tiempo; todas mostraban grandes dosis de sangre y crueldad. Muchas de sus películas fueron censuradas o catalogadas para adultos debido a su contenido violento. Esto las hizo populares entre adolescentes amantes del cine de horror. Las películas de Fulci eran ignoradas o mal vistas por los críticos. Después de la mitad de los años 1980 el estilo de Fulci empezó a declinar. Además tenía problemas personales y de salud, lo que empeoró su situación. Su muerte ocurrió al no inyectarse la insulina para tratar su diabetes. Algunos conocidos dicen que fue en parte un suicidio, pero no se ha podido confirmar. En 1998, El más allá fue reestrenada en los cines por Quentin Tarantino, quien ha citado a la película, y al propio Fulci como fuente de inspiración.